http://artweek.ru/ http://artweek.ru/rss.php http://artweek.ru Продавец вечности 03.05.2006 Автор: Алиса Курманаева Опубликовано в журнале: Апрель 2006   Искусство бессмертно. Искусство оставляет о нас память будущим поколениям, развивает, учит мыслить, воспитывает вкус. Наконец, искусство – это выгодный бизнес и удачное вложение капитала. О чем прекрасно осведомлены проводники между деньгами и вечностью – арт-дилеры. Выгодное вложение «Большой канал» Моне на недавних торгах Sothebey’s ушел за 13 млн долларов, «Нези и Лидия» Матисса – за 11, рисунок Пикассо «Желтая обнаженная» – за 14! Состоятельные люди предпочитают вкладывать капитал в искусство, а не в бриллианты, и обороты мирового арт-рынка растут на глазах. В 60-х годах прошлого века газета Times и галерея Sothebey’s начали публиковать графики, наглядно демонстрирующие, что вложения в искусство могут обернуться огромной прибылью. С чем же это связано? Во-первых, цены на предметы искусства не падают, – если стоимость картины известного художника составляет 20 тысяч долларов, то ниже она уж точно не станет, а может и вырасти раз в сто. И даже если цена на хорошую картину немного снижается, то это временное явление. Во-вторых, инвестиции в художественные ценности являются хорошим тоном и добавляют капиталу респектабельности, а инвесторам – престижа. Оборот на мировом арт-рынке на данный момент составляет около 27 млрд евро, а сам бизнес является третьим по доходности после торговли оружием и бриллиантами. Результаты торгов на Sothebey’s и Christie’s попадают на топовые позиции в новостных лентах информационных агентств, а цены на предметы искусства вот уже полвека растут в среднем на 12,6% в год. И, конечно, желающим правильно и красиво вложить свои деньги, сложно обойтись без такого полезного человека, как арт-дилер. На Западе эта профессия существует давно, в России ей еще нет и десяти лет. Во времена «железного занавеса» торговцев предметами искусства называли фарцовщиками, арт-галерей, кроме государственных музеев, не было вообще, а на коллекционеров смотрели косо – на одну зарплату Фаберже не купишь. Сейчас наши арт-дилеры ездят по миру, участвуют в международных выставках-ярмарках, а факультеты искусствоведения на глазах становятся все популярнее. ДОРОГОЕ УДОВОЛЬСТВИЕ Искусство – это роскошь, а не предмет первой необходимости, поэтому вкладывать в него деньги могут только очень состоятельные люди. В нашей стране таких,к сожалению, пока очень мало, соответственно и спрос на предметы искусства очень невелик В Лондоне, например, насчитывается около двух тысяч антикварных магазинов, а в Москве их около 120. В Базеле предметы искусства собирает каждый третий. В России же роскошь быть коллекционером могут себе позволить только полтора процента населения. Зачастую отечественные арт-галереи держатся на одном-двух коллекционерах. Но полученные от реализации какого-либо предмета искусствасредства тут же приходится вкладывать в содержание галереи, на гонорар художникам, рекламу и так далее. «Галерея в России – это пока не бизнес, - считает галерист Алла Булянская. - Когда у людей появится возможность вкладывать деньги в искусство, тогда и будет развиваться галерейный бизнес». За партой с Пикассо Существует мнение, что продавать произведения изобразительного искусства – это совершенно особое дело, которому и научиться-то невозможно, как невозможно научиться писать гениальные стихи. Но получить профессию арт-дилера, конечно, можно. Хотя процесс этот является долгим и сложным. Арт-дилер – это прежде всего хороший искусствовед и эксперт, ведь, кроме всего прочего, из-за неправильно проведенной экспертизы и оценки произведения искусства можно попасть в очень большие неприятности. Это и специалист, прекрасно разбирающийся в тенденциях мирового художественного рынка, более того, умеющий делать прогнозы относительно этих тенденций. Это и отличный коммерсант, способный спрогнозировать, как отразится, например, мировое изменение цен на нефть на спросе на предметы искусства, – а для этого необходимо знание законов экономики. Хотя практика показывает, что даже после терактов 11 сентября цены на произведения существенно не упали. Это и прекрасный дипломат, а заодно и психолог – ведь договариваться арт-дилеру приходится с очень разными людьми. И, конечно, никуда не деться от знания законов – «бумажные» дела арт-дилеру тоже приходится решать: оформлять, переоформлять, покупать-продавать, получать, порой с боем, разрешения на вывоз из страны художественных ценностей и т.д. Сейчас отделения «галерейное дело» открываются на факультетах искусствоведения многих университетов. Если у тебя уже есть высшее гуманитарное образование, то ты можешь поступить, например, на двухгодичные курсы в Институт европейского искусства при РГГУ или пойти на программу подготовки профессиональных арт-дилеров, устраиваемую оргкомитетом международной ярмарки «Арт-манеж», где за 180 учебных часов тебя ознакомят с основными направлениями коммерческого и некоммерческого менеджмента в области современного искусства. Многие институты отправляют своих студентов на стажировки на различные ярмарки искусства или в страны, искусство которых студент выбирает основным направлением своей деятельности. Кроме того, известные галеристы, например Владимир Овчаренко или Айдан Салахова, проводят мастер-классы, где рассказывают, на что стоит прежде всего обратить внимание во время покупки картины, какие направления господствуют сейчас на мировых рынках и как отличить подлинник от подделки. Хотя, как ни парадоксально, многие знаменитые российские арт-дилеры не имеют специального образования. Например, московский галерист номер один Марат Гельман закончил технический вуз, а президент восточноевропейского отделения компании London Contemporary Art Игорь Метелицын учился в строительном институте. Бизнес и шампанское Курс обучения пройден, пришла пора делать бизнес. Помнишь, чем занималась Шарлотта из «Секса в большом городе»? Выставки, фуршеты, художники, состоятельная публика, удачные сделки прямо на вернисажах. Парадная сторона работы арт-дилера именно так и выглядит. Но за красивыми выставками скрывается труд, огромное количество вложенных сил и денег: придумать идею выставки, найти подходящего (с коммерческой точки зрения) художника, взять картины, отвезти их в багетную мастерскую, развесить по стенам галереи, выставить выгодный свет, разрекламировать выставку, пригласить журналистов, организовать фуршет (с тем самым шампанским). Но главная задача – сформировать у клиента потребность в искусстве, желание приобрести вслед за первой картиной вторую. Разница между продавцами антиквариата и теми, кто продает работы современных художников, в том, что первые продают уже «раскрученное» имя, вторым же зачастую приходится «с нуля» формировать спрос. От продажи работы в скромном художественном салоне до ее участия в торгах крупного аукционного дома путь долог. Но, в конце концов, и Энди Уорхол когда-то был никому не известным художником. Доходы арт-дилеров напрямую зависят от цены на произведение искусства. Взяв у художника картину, ты получаешь от 10% до 30% прибыли от ее продажи. Так что включи свой внутренний калькулятор и посчитай, какой доход теоретически получает арт-дилер, если цены на картины колеблются от нескольких сотен до миллионов долларов. Цены на предметы искусства растут, а вместе с ними растут и гонорары арт-дилеров. АРТ-БАНКИНГ Несколько лет назад на Западе возникла новая банковская услуга, именуемая арт-банкинг – комплекс услуг по приобретению и обслуживанию различных коллекций. Менеджеры арт-банкинга (как правило, специалисты с художественным и экономическим образованием) дают рекомендации клиентам, в какие именно произведения искусства им выгоднее вложить деньги, чтобы в будущем при желании их можно было бы хорошо продать (частные коллекции часто выкупаются государственными музеями). Кроме этого, клиенту обеспечивается правильная оценка и экспертиза произведений искусства, помощь в составлении коллекций (картины могут стоить гораздо дороже, если их продавать как коллекцию), реставрации и хранении работ. За четыре моря Вывод «своих» художников на международный рынок, работа над престижем собственной галереи, наконец, работа над собственным имиджем специалиста мирового уровня – все это просто обязывает арт-дилера не замыкаться в четырех стенах своей галереи, а пытаться попасть на международные художественные мероприятия. Существует так называемая первая обойма выставок, попасть на которые очень сложно. Это, например, всемирно известные выставки в Базеле и Кельне, респектабельный «Арт-Лондон». Участвуют в них только публичные галереи, занимающиеся определенным видом деятельности. Отбор жесткий – экспертная комиссия оценивает, насколько интересны представляемые художники, уровень галереи, что нового она может предложить зрителю. Но и отдача от участия в этих выставках очень велика. Например, если художника отметили на знаменитой Венецианской биеннале, скорее всего, на ближайшей художественной ярмарке на него будет большой спрос. И в завоевании такого успеха, конечно, не последнюю роль сыграл арт-дилер, который сумел разглядеть и презентовать всему миру новый талант. Остается только гордиться собой и, разумеется, пожинать плоды. С МОЛОТКА Крупнейшие аукционные дома контролируют до 90% мирового антикварного рынка. В разных странах мира ежедневно (!) проводятся десятки всевозможных аукционов. Торги чаще всего проводятся по направлениям. Sothebey's, например, имеет 13 направлений: этнография и древности, искусство Азии, книги и манускрипты, коллекционные изделия и др. Русское искусство продают аукционные дома Christie's, Philips, Bukowski. Впрочем, устраивает «русские торги» и Sothebey's. Сейчас огромной популярностью пользуются Интернет-аукционы. Наиболее известные из них E-bay и Amazon. На сайтах крупных аукционных домов можно изучить каталог выставленных предметов и поучаствовать в онлайн-торгах.   http://artweek.ru?show_news=73 10/03/2008   ДВОЙНОЕ ЗАЗЕРКАЛЬЕ РОССИЙСКОГО АРТ-РЫНКА   ДИ: Иногда арт-рынок по соотношению себестоимости (холст, краски) и продажной цены картины сравнивают с наркобизнесом. Насколько правомерно такое сравнение на Ваш взгляд?                 Сравнение возможно только по общему обороту денег, то о чем вы говорите абсолютно не правомерно. Есть очень жесткая зависимость. Если галерея покупает у художника работу в собственность, она обычно платит 25-30 процентов от продажной цены. Если картина будет продаваться за 10000 долларов, то это 2500, а холст и краски стоят примерно 100, т.е. галерея переплачивает в 25 раз. Это как раз то, что стоит имя художника. Поэтому реальное соотношение один к пяти, примерно как в ювелирном бизнесе. А в наркотиках во много раз больше. Конечно, если говорить о картинах Ван-Гога, то, пожалуй, действительно, стоимость материалов и цена его работ на арт-рынке будет в том же соотношении. Но сегодня у нас, во-первых, нет Ван-Гога, а во вторых, нет галерей современного искусства. В Москве, в Лондоне, в Нью-Йорке одежда, часы, квартиры, банковская сфера – все практически представлено одинаково. Все, кроме современного искусства. Антикварные магазины появляются, но галерей современного искусства на центральных дорогих улицах  на первых этажах не появилось ни одной за 10 лет. И мы понимаем, что здесь что-то не так. На Медисон-авеню галереи стоят по 50 лет. Какие-то элементы абсолютно очевидные для западного рынка здесь пока не работают                 Например, почти не происходит продажи с выставок. С выставки Хамдамова мы не продали ни одной работы. Учитывая личность Рустама и все привходящие обстоятельства, нам эту выставку было сделать тяжелее, чем десять предыдущих вместе взятых. Это даже не денежные затраты, которые  тем не менее были существенны, а энергетические. Потому что все кончилось тем, что Рустам, закончив развеску, ушел. Причем, он был абсолютным диктатором: говорит – вот эту работу убрать, и мы убирали беспрекословно. Потому что у нас есть ощущение, что он в этом разбирается лучше. Но на открытие он не явился. Хотя его ждали 5 каналов телевидения. Он не пришел на открытие своей выставки. И это нормально для него.                 Сегодня проведя ряд выставок хорошего уровня, таких как Жанет Треби, Руслана Цримова, Валерия Ершова, Дэвида Додсворда, четыре поколения Рукавишниковых, Хамдамова, я могу констатировать – с выставки не покупают. В Токио или Нью-Йорке с выставки такого класса продается от 80 до 100 процентов работ. У нас же выставки просто событие, повод потусоваться, выпить хорошее вино. Вообще никакого алгоритма работы с покупателем здесь никто не знает, никто им не владеет. Вдруг появляется из ниоткуда какой-то человек, просто потому, что ему надо украсить дом, и вы можете продать ему работ на 50 тысяч. Но найти алгоритм привлечения такого покупателя практически невозможно. Потому что сегодня здесь все полу-Корейко. Это ситуация даже не королевства кривых зеркал, относительно западного арт-рынка. Там он давно состоялся, там есть объективные законы, о которых мы говорили в прошлый раз, объективная цена, ликвидность, и есть разные полки – полка коммерческого искусства, которое составляет, может быть, процент больший, чем Сотсбис и Кристис. Все эти материалы открыты, есть журналы Art-News, Art&Antic и другие, можно следить за динамикой. Здесь же ситуация не только королевства кривых зеркал, но королевства кривых зеркал в королевстве кривых зеркал.                 Когда мы говорим о том, что какое-то подобие рынка выстраивается, то мы говорим о фантомах. Мы говорим о Марате Гельмане, который, я представляю, с каким трудом и как зарабатывает деньги как галереист, но он с помощью того, что он создал себе имидж, ушел в другой бизнес и там делает деньги. Если мы говорим об Айдан, тоже я с трудом представляю, как, продавая инсталляции в Москве или какие-то авангардные проекты, можно заработать деньги. А этот бизнес без денег существовать не может, причем без больших денег. Галерея среднего масштаба должна иметь своего товара по продажной цене миллионов на пять, это минимум. Вот, допустим, скульптура Шемякина, которая стоит достаточно больших денег, может стоять до тех пор, пока не придет покупатель, и все предложения меньше разумных должны спокойно отвергаться. Но для этого галерея должна иметь ее в собственности.                 Это все звенья одной цепи. Мы уже существуем 2 года на этом рынке. Н а вопрос «можно ли здесь работать?» однозначно отвечаем – можно. По этому рынку мы процентов на 30 знаем, что нужно делать, и на 70 процентов знаем, что делать не нежно.                 Время все равно свое возьмет. Здесь те же тенденции, что и во всем мире – основной покупатель, даже покупатель с деньгами, это простой человек, который покупает по принципу: нравиться не нравится. Удивительно, но большинство художнических имиджей, которые нравятся американцам, канадцам, японцам нравятся и здесь.                 Мы думаем, что российский арт-рынок по потенции сегодня номер один в мире, потому что эта нереализованная денежная энергия невероятно высокого потенциала. Означает ли это, что этот потенциал во что-то воплотится. Нет. Он может иметь вид вялотекущей шизофрении многие десятилетия. По целому ряду объективных причин, связанных с существованием этой части пространства как художественной территории. Потому что мы должны расхлебывать все грехи своей российской истории. Если мы откроем Бердяева, то все вопросы актуальны и сегодня. Должен быть двор, приближенные, процветают люди с государственными заказами  или аферисты, все смешано в фантастический винегрет. Еще не слышно мелодии, которая может стать определяющей.                 Отсюда реакция публики, которая бросается на антиквариат, как на действительно серьезную дорогостоящую вещь, но там поджидает другая ловушка. В этом смысле я считаю, что основная  заслуга журнала «Арт-Хроника» не в пропаганде современного искусства. По большому счету мы в безвременье живем, в этом смысле. Нечего пропагандировать. А то, что журнал каким-то образом начинает освещать закоулки антикварного рынка. И они совершенно справедливо замечают, что за последние пять лет хорошего антиквариата стало в пять раз меньше. Вплоть до того, что антикварные дилеры едут в Германию, где восемь или девять веков цивилизованного существования художественного рынка, покупают там и привозят сюда.                 И вторая ситуация. Люди открыто покупают на Сотбис и Кристис и перепродают просто в силу того, что удачно купили, не скрывая цены.                 Вся ситуация с современным искусством достаточно сложна, поэтому я могу сказать, что рынка по-прежнему нет. Есть позитивные предпосылки создания рынка, потому что Россия практически вышла из кризиса, который случился три года назад. И ясно стало, что люди, которые здесь чего-то добились, не станут куда-то уезжать. Там они никто, несмотря на их деньги, там будет тяжело работать. А здесь у них уже есть подогреваемые бассейны, тренажеры. Значит, будет следующий этап в уровне комфорта: появится желание повесить на свои стены то, что им приятно и что достойно их положения.                 Поэтому, когда мы говорим о продаже искусства здесь, к этому надо подходить прагматично. Вот вы говорите: «вот наши художники, которых мы любим». Но это ваше частное дело. Кто-то любит соленые грибы, а кто-то соленые огурцы. А вот Нортод Додж говорит, что художник складывается тогда, когда складывается три категории одновременно: музей, критики, собиратели. Когда эта триада одновременно складывается – складывается цена на художника и его имя. В чем парадокс нашего положения: спрашиваю Купера, зачем тебе выставка в Русском музее? «Для истории, наверное». Очевидна абсолютная независимость выставки современных живущих художников в самых престижных музеях России и цена на них. На Западе эти вещи связаны неразрывно. На западе статья критика в «Нью-Йорк Таймс» о выставке практически означает коммерческий успех выставки. А сочетание с каким-то музеем уже предполагает высокую цену. Должна сложиться ситуация, когда слово критика будет что-то стоить. Прежде всего, когда критик, наконец, не будет ангажирован. Ужас в том, что здесь он может быть ангажирован и за очень маленькие деньги. Правда все это нивелируется тем, что никто этих критиков не читает. И если страшно на меня разозлится Катя Деготь или Мизиано мне от этого ни жарко, ни холодно. Помочь художнику эти критики реально не могут. Ваш журнал процветал бы, если бы люди четко понимали, что вещи, которые вы запускаете в мир, не носят просветительский характер, но имеют характер обратной связи. Мы находимся в начале пути и дорога эта рассчитана на десятилетия. На самом деле современные технические средства позволяют делать ускорение. Даете человеку, который ничего не смыслит в искусстве, видеокассету, и за 26 минут экранного времени он увидит, что такое сериграфия, офорт, и это рассказываю не я, а президент головной компании в Лондоне, рассказывает очень хорошо, дальше он увидит, как это делается, дальше увидит, как приходят люди в очень дорогих пальто и им на полу раскладывают принты, и они смотрят, и щупают, это же не актеры – это видно. Оказывается, что это хорошее вкусовое искусство, что это дорого, это не копия и это не масспродукция. Сегодня на всю Россию нет ни одной студии, которая может достойную сериграфию выпустить. То, что делает Боря Бельский вызывает умиление, но я не могу сделать пять приличных цветов. А у нас сериграфия 124 цвета,  и это проблема не оборудования, а печатников. Если у нас человек узнает, что такое, офорт, литография, сериграфия он узнает, и что такое суперподделка. Сейчас одна из тенденций очень интересная, появившаяся 4-5 лет назад и занявшая 60 процентов рынка это т.н. айрис или жикле. Это, по сути, обычная репродукция сделанная компьютером, где технология, как в обычном принтере, где стоят четыре или максимум восемь картриджей. И с помощью этих цветов создается изображение, которое хорошо смотрится, но не имеет никакой ценности. Это можно делать без участия автора. В прошлый раз мы с вами говорили о дефиниции при определении оригинального принта: основное – личное участие автора. Сериграфию без личного участия автора сделать нельзя, а здесь можно взять сосканировать без ведома автора и сделать сколько хочу. И здесь все упирается в деньги. Если я берусь делать сериграфию, на производство одной сериграфии потрачу 40-60 тысяч долларов без рекламы. С одной на рынок не выходят, выходят с 3-4. Следовательно,  мы говорим о 200-300 тысячах долларов. Следовательно, я должен считать вернули я их, потому что в оригинальном принте – офорте, литографии, сериграфии – создание матрицы самой составляет 50-60 процентов стоимости, а уже воспроизведение оставшиеся 30-40. Я делаю весь тираж за один раз, разрушаю матрицу, подписываю у автора. В жикле объединившись три любых художника, сбросившись по 7 тысяч долларов, покупают машину за 21. Или еще проще – идут и за 200 долларов делают холст. И этот холст подмалевывают и уже ставят тысячу долларов и объявляют тираж. Но напечатать могут и 4 и 400, в зависимости от заявки.  Если вы откроете сейчас любой профессиональный журнал, там 70 процентов жикле или айрис. И только самые серьезные компании продолжают выпускать дорогой продукт. Во втором нашем фильме, связанном с Жанет Треби, впервые в мировой практике устами Дениса Кейли мы заявили, что жикле это подделка оригинального принта или просто репродукция. Человеческий глаз невозможно. Есть компании, у которых на рекламе имиджей написано «жикле» и это слово перечеркнуто – проезд запрещен. Сегодня же много людей рисовать просто не умеют. Появились компьютерные программы, в которых можно наложить разные фактуры, напечатать принт, сделать два мазка. Оказывается, что вообще очень мало осталось людей, которые умеют рисовать. ДИ: И больше всего их осталось у нас. И.М.: Совершенно верно. Если мы посмотрим на коммерческий рынок в Штатах, то сегодня40 процентов это русские Кондакова, Тевецкий, Швайко, Горбачев, Седчуков имя им легион.                 И еще, этнически замкнутого рынка в XXI веке существовать не может. Мы не можем не покупать Дали или Пикассо потому, что они не русские художники.   Но не можем покупать их оригиналы? Но можем покупать их оригинальные принты, хотя это тоже спорно, потому что цена их 25-30 тысяч. Но есть одна объективная вещь: рынок оригинальных принтов защищен ценовой ликвидностью.                 Мы, проработав два года в этой стране, на этом рынке и имея, наверное, самую закрытую галерею в этой стране, получили некоторый опыт. Мы действительно буржуазная галерея, делаем все на буржуазном уровне. Люди, которые приходят к нам не должны видеть разницу между галереями в Нью-Йорке и Лондоне и нашей галереей. ДИ: Самая массовая пропаганда буржуазного образа жизни в нашей стране осуществляется зарубежными сериалами. Образ современного искусства в мыльных операх обычно связан с дамой при богатом муже – владелицы галереи, обеспечивающей ей эффектный фон, и к тому же позволяющей ее мужу уходить от налогов. Какова вероятность того, что жены новых русских захотят связать себя с таким имиджем? И.М.: Нулевая. Когда я начал этим заниматься я понял, что есть жесткие законы. Я пришел к ужасающему для себя выводу: я поздно начал. Но с другой стороны, нет ни одного института в мире, где бы готовили арт-дилеров. Арт-дилера подготовить в институте нельзя. В мире есть 5 тысяч классных хирургов, а арт-дилеров 6-7 человек. Практически все они не искусствоведы по образованию. Лео Кастелли – юрист, Ронель Фельдман – юрист, Иван Карп – журналист. Арт-дилер такая почти Возрожденческая специальность: ты сначала должен быть в цехе какого-то мастера, и плюс быть психологом, бизнесменом, и быть преданным этому делу.                 Когда-то, увидев одну из моих выставок, ко мне подошел человек и сказал, - Я бы хотел своей Тане завести галерею и я готов 300-500 тысяч выложить. Я сказал, - я с Таней встречусь. Выглядела она сногсшибательно. Когда я спросил, какое у нее образование, то спонсор пошел пятнами: «какое это имеет значение». Тогда я ответил, что к этому не хочу иметь отношение. Арт-дилером по блату стать нельзя.                 Это чистая химера, что скучающая жена богатого мужа может заниматься галереей. Но самое главное нужно отказаться от иллюзии, что этот бизнес можно делать без денег, на этот бизнес денег требуется гораздо больше, чем принято думать, потому что вы должны рассчитывать на пятилетний срок как минимум и вы должны иметь возможность не продавать вещь по дешевке. Даже челночник для того, чтобы иметь деньги на закупку товара, закладывал свою квартиру, шел через рекет, через таможню, через налоги, продавал товар, выкупал квартиру, и когда у него что-то оставалось, он говорил – я заработал. Так вот наш бизнес во много раз дороже. Обычные расходы, просто, чтобы галерея существовала, не считая закупку товара это 15-20 тысяч в месяц.                 Я два года работаю здесь, 10 лет занимаюсь арт-бизнесом. Я еще не знаю, может быть, года через три, у меня появятся какие-то рекомендации. Мы поняли, что нам не имеет смысла делать выставку один раз в месяц, хотя на Западе меняют экспозицию через 2-3 недели. Здесь люди предпочитают прийти и в тишине посмотреть после открытия выставки по настроению, но с выставкой это не связано. Западный человек, когда попадает на выставку, он сразу думает: «а не могу ли я кусочек себе домой заиметь» - принт, литографию, постер, в крайнем  случае. Здесь имеют и дачи и квартиры, но живут по-цыгански. Стоят экспозиции музеев, но искусство в них к продаже никакого отношения не имеет. На западе музеи – это сильное коммерческое предприятие. Если идет выставка Фаберже, ее посещают 500 тысяч человек, билеты стоят 7 долларов. Мы говорим о серьезных деньгах – это 3.5 миллиона. 80-90 процентов музеев созданы на пожертвования и у нас та же ситуация была. В конце прошлого века императорский двор делал закупки только на 25 процентов, а на 75 процентов и Серов, и Врубель жили за счет заказов купцов второго поколения. ДИ: Значит, Хамдамова будет покупать следующее поколение новых русских. И.М.:  Не уверен, по двум причинам. Есть проблема общая для нас и Запада, она связана с поколением молодых людей финансово самодостаточных, морально закаленных и защищенных от всяких сантиментов, я их называю дети интернета. Это квалифицированные клерки. В отличие от нас с вами, они книг не читают. «Тьма, пришедшая со стороны Средиземного моря» их не взволнует. Эти люди «Ягуар» последней модели ценят гораздо больше чем произведение искусства, которое с точки зрения прагматизма как покупка выгоднее. Но они купят «Ягуар», потому что они молоды и хотят и имеют такую возможность так жить.                 Кроме того, существует такое правило: если художник при жизни прошел какую-то планку и был раскручен до уровня международного рынка, то тогда его уход является фактором, который повышает его цену. Если до этой планки не дотянул, то дальше ничего не происходит. В этом пример Зверев и  многие другие. Вот их выставили на Сотбис и цена 3-4 тысячи, а это люди, которые оставили свое имя в искусстве. Почему Малевич, Кандинский и Шагал дороги, потому что их цена установлена по международным критериям на них покупатель – весь мир.                 Процесс покупки арта – процесс интимный, покупатель выбирает сам. Но вы как продавец должны дать видимые объективные критерии защиты потребителя. Рынок искусства – это категория не эстетическая, а экономическая.     Ирина Сосновская Журнал «Декоративное Искусство» №3 2001г. http://artweek.ru?show_news=72 10/03/2008 История отечественной мультипликации   Арсений Ars3D Тургулайнен 18 ноя 2007 в 14:55 Возникновение и первые годы развития советской мультипликации Пионером русской мультипликации считается художник и оператор Владислав Александрович Старевич, который в 1910-х годах в киноателье А.А.Ханжонкова разработал особую художественную технику и прием для постановки и съемки объемно кукольной мультипликации. Им были созданы в России первые в мире объемно-мультипликационные фильмы. Так, в 1912 г. В.А.Старевич выпустил пародийные мультипликационные фильмы "Прекрасная Люканида, или война рогачей с усачами" и другой под названием "Авиационная неделя насекомых". Советская графическая мультипликация возникла в 1924-1925 годах. Первые фильмы были сделаны художником А.Бушкиным, вначале под руководством известного режиссера и экспериментатора Дзиги Вертова, а затем уже самостоятельно. Фильмы отвечали актуальным задачам политической пропаганды. Главным образом это были киноплакаты и сатирические фильмы. Художники-мультипликаторы А.Бушкин и А.Г.Иванов для создания некоторых фильмов пользовались весьма несложной, но выразительной техникой плоских марионеток. Такой метод освобождает художников от трудоемкой техники изготовления огромного количества фаз-рисунков. Из плотной бумаги или картона вырезали плоские марионетки. В местах, сочленений их скрепляли шарнирами. Марионетка накладывалась либо на стекло съемочного стола, за которым находился рисованный фон или панорама, либо непосредственно на рисованную декорацию - место действия для персонажей фильма. За один 1924 г. на студии "Культкино" со своим маленьким коллективом художников выходит целый ряд мультипликационных картин: "Германские дела и делишки", "История одного разочарования (Борис Савинков)", "Советские игрушки" (реж. Д.Вертов, мультипликация А.Бушкина и А.Иванова), "Случай в Токио", "Юморески" (реж. Д.Вертов, мультипликация А.Бушкина и А.Белякова). Первый период развития советской мультипликации носил характер экспериментальный. Сложность технического выполнения рисованных фильмов приводила художника к поискам таких технических методов, которые могли бы быть под силу малоопытным художникам. Одним из методов, укрепившимся на долгие годы н производстве мультфильмов, был так называемый "альбомный" метод. Все движения, необходимые для развития действия в сюжете, разбивались на цикличные движения, которые могли бы многократно повторяться. Например, походка людей или движения животных, полет птиц, проезд поезда, автомобиля и т.д. Каждый такой цикл движения и являлся "альбомом". На дальнейшее развитие искусства мультипликации большое влияние оказало создание в Москве в 1924 году первой экспериментальной мультипликационной мастерской при Государственном техникуме кинематографии, в которую вошли молодые советские художники, окончившие ВХУТЕМАС (Высшие художественно-технические мастерские), (Н.П.Ходатаев, О.П.Ходатаева, Ю.А.Меркулов, 3.П.Комиссаренко, сестры В. и 3.Брумберг,Л.Блатова, В.Г.Сутеев, И.П.Иванов-Вано, операторы Г.Кабалов и В.Шульман).   Экспериментальная мультипликационная мастерская выпустила в 1925 г. свой первый рисованный фильм - политический памфлет "Китай в огне". В этой большой коллективной работе художники приобрели первый опыт одушевления рисунков и практически разработали технологию производства рисованного фильма. Фильм "Китай в огне" во многих своих компонентах был невысокого качества, изобразительно разнохарактерный и затянутый. Скорее это была своеобразная иллюстрация политических событий, нежели кинематографическое произведение. Несмотря на эти недостатки, фильм привлек к себе внимание общественности и благодаря актуальному материалу, и новому интересному приему, который заставлял оживать карикатурный рисунок на экране. Эпоха бурного становления страны требовала широкой агитации во всех отраслях производства, сельского хозяйства, кооперации, реализации государственных займов, а также и в повседневной нашей жизни. В этом отношении советская мультипликация того времени сыграла большую действенную роль, особенно в области научного и учебного фильма, агитплакатов, политшаржа и рекламы, где многие работы, несмотря на примитивность техники, достигали высокого художественного качества. Работы А.Бушкина "Проблемы питания", "Береги глаз", "Кровообращение" и другие явились уже тогда солидным вкладом в область научной и учебной кинематографии и сыграли роль настоящих образцов, по которым в дальнейшем шло развитие этого вида мультипликации. В 1926 г. на кинофабрике "Межрабпом-Русь" коллектив художников (Ю.Меркулов, Д.Черкес, И.Иванов-Вано, оператор Л.Косматое) начинает работать над первым детским мультипликационным фильмом "Сенька-Африканец", поставленном по мотивам сказок Корнея Чуковского. Картина вышла на экран в начале 1927 г. При всех своих недостатках фильм нашел положительный отклик в прессе и с большим интересом смотрелся детским зрителем. Этот успех подтолкнул художников на создание других детских фильмов. Так, в 1927 г. выходит картина "Тараканище", сделанная художником А.В.Ивановым также по сказке К.Чуковского. Затем выходит картина "Каток", сделанная в плане наивного детского рисунка (работа художников Д.Черкес и И.Иванова-Вано). Здесь художниками сознательно была допущена условность: все рисунки контуровались белой линией на черном фоне, так как при демонстрации такой рисунок менее утомлял детского зрителя. В 1928-1929 гг. выходят новые фильмы для детей: "Самоедский мальчик", в шутливой форме разоблачающий религиозные пережитки у северных народов нашей страны (работа художников Н.Ходатаева, О.Ходатаевой и В. и 3.Брумберг) и "Приключения барона Мюнхгаузена" - работа художников Д.Черкес и И.Иванова-Вано. Так постепенно рождается новое советское искусство рисованного фильма. В это время мультипликацией начинают интересоваться многие театральные режиссеры. Так, в 1927 г. талантливый режиссер и художественный руководитель Московского театра для детей - Наталия Сац ввела впервые в спектакле "Негритенок и обезьяна" мультипликацию, которую сделали художники Н. и О.Ходатаевы и В. и 3.Брумберг. Для этой постановки на сцене был смонтирован специальный экран. Мультипликация, проецируясь на него по ходу спектакля, переносила развитие действия со сцены на экран. Спектакль "Негритенок и обезьяна" имел огромный успех и долго не сходил со сцены театра. Не менее интересно и второе использование мультипликации Наталией Сац в спектакле "Про Дзюбу".   Здесь мультипликация демонстрировалась прямо на декорациях сцены, иллюстрируя в нужный момент мечты и фантазию мальчика Дзюбы. Благодаря этому в спектакле сразу возникала атмосфера сказки, очарованию которой помогала талантливая музыка композитора Леонида Половинкина, используемая синхронно с мультипликацией. Так, ритмическая слитность мультипликации с музыкой и даже с действием актера на сцене была проведена значительно раньше рождения звукового кино, где этот метод четкой синхронизации действия рисованного персонажа со звуком произвел в свое время большую сенсацию. Кадры работников советской мультипликации постепенно пополняются. Начинает заниматься мультипликацией на одесской киностудии художник В. Левандовский. В 1927 г. вышел первый украинский мультипликационный фильм "Сказка о соломенном бычке", поставленный В.Левандовским по известной народной сказке. В 1928 г. выходит его второй фильм "Сказка о белочке-хозяюшке и мышке-злодейке", который он сделал уже на вновь организованной киностудии в Киеве. Помимо высоких изобразительных качеств, этот фильм особенно отличался плавностью и выразительностью движения персонажей. В Ленинграде в области рисованного фильма, помимо художников А.Преснякова и И.Сорохтина, на фабрике "Совкино" начинает работать художник В.Григорьев, который в 1927 г. выпускает два фильма "Держи чубаровца" и "Два рикши" по сценарию Н.Агнивцева, текст стихов В. Волженина. Примерно в это же время начинает работать в области мультипликации художник М.Цехановский, немного позднее художники М.Пащенко, В.Сюмкин и А.Синицын. В Москве - художники Л.Атаманов, Л.Амальрик, П.Мизякин, А.Беляков, Д.Бабиченко, П.Носов, П.Сазонов, Ю.Попов и другие. Советская мультипликация обогащается новыми талантливыми режиссерами и художниками. Этот период интересен поисками художников новых технологических приемов в искусстве мультипликации и стремлением их создать постоянного героя рисованного фильма. Режиссер А.В.Иванов, использовав специальный метод комбинированной съемки, разработанный конструктором Н.Желинским, выпустил в 1928 г. несколько мультипликационных картин с участием рисованного героя негритенка Тип-Топа. Так появился постоянный мультипликационный персонаж Тип-Toп, который, действуя в натурных кадрах, путешествует с приехавшей иностранной делегацией по Москве. Параллельно с ним начинает подвизаться на экранах другой мультипликационный герой Братишкин, созданный художником Ю.Меркуловым, который участвует в различных агитплакатах и инструктивных фильмах: Братишкин вступает в Осоавиахим, Братишкин везет книги в деревню, Братишкин борется за чистоту на заводе и т.д.   Ленинградскими художниками А.Пресняковым и И.Сорохтиным создается персонаж Бузилка, который впервые появляется в 1928 г. в фильме "Шептуны", в 1929 г. в фильме "Бузилка против брака" и дальше переходит в другие агитационные фильмы. Стремление наших художников создать образ постоянного мультипликационного героя действенного результата не принесло. Эти персонажи не имели успеха и сравнительно быстро сошли с экрана. И не только потому, что с внешней, чисто изобразительной стороны они были сделаны неинтересно. Они были невыразительны главным образом потому, что по сути своей никого не представляли, в них не было определенных характеристик представителей какого-либо слоя общества, они были вне среды: правда, негритенку Тип-Топу подарили пионерский галстук, а Бузилке - большой гаечный ключ, который он постоянно носил с собой, - однако это была лишь внешняя характеристика героев фильма - "вывеска", но не их внутреннее содержание. В 1928 г. выходит детский фильм "Обиженные буквы" по сценарию Агнивцева (художники А.Пресняков, И.Сорохтин, С.Жуков и В.Куклина), в котором рисованная мультипликация так же, как и у режиссера А. В. Иванова, соединяется с натурной съемкой. В этом комбинированном фильме обиженные буквы идут жаловаться на ленивых детей в Наркомпрос, проходят по улицам, преодолевают ряд препятствий, попадают в бюро переписки, где создают переполох среди машинисток, и наконец благополучно пробираются в кабинет наркома, забираются к нему на стол и вручают товарищу Луначарскому свою петицию. Зрителя в этих комбинированных мультипликационных кадрах поражала новизна приема, он был неожиданно удивлен таким техническим трюком, когда рисованный персонаж действовал в естественной натурной среде, рядом с живым актером. Уже в этом раннем периоде советская мультипликация проявила себя в разнообразных жанрах, с поисками новых изобразительных решений не только в кино, но и в театре. Широко экспериментируя в мультипликации, как в области техники, так и в области разнообразной тематики, в поисках различных жанров, художники-мультипликаторы в те годы осваивали, приобретали и накапливали производственный и творческий опыт этого нового вида кинематографии, что в дальнейшем привело к значительному подъему искусства рисованного фильма в нашей стране.   Советская мультипликация в 30-е годы С появлением звука в кинематографии для советской мультипликации открылись новые пути. Развивая достижения прежних лет, советские мастера мультипликации в 30-е годы добиваются значительных успехов. На экран выходят первые звуковые мультипликационные картины: "Почта" по произведению С.Я.Маршака (1930 г., реж. М.М.Цехановский), "Улица поперек" и "Сказка про белого бычка" (1931 г.-1933 г., реж. В.Сутеев и Л.Атаманов), "Паровоз летит вперед" - мультсатира (в постановке Н.Ходатаева и З.Брумберг, 1932 г.), "Блэк энд уайт" по известному стихотворению Владимира Маяковского (1932 г., режиссеры И.Иванов-Вано и Л.Амальрик). На первой Всесоюзной конференции работников мультипликации в марте 1933 года обстоятельно обсуждался вопрос о жанрах в искусстве рисованного фильма. Эта конференция положительно отразилась на дальнейшем развитии мультипликации, она обобщила опыт работы советских мультипликаторов и наметила ряд конкретных мероприятий, улучшающих производство рисованного фильма. С выходом на экран таких звуковых картин, как "Сказка о царе Дурандае" (1934 г., реж. И.Иванов-Вано и В. и 3.Брумберг), "Органчик" по сатире Щедрина (1935 г., реж. Н.Ходатаев), "Журавко" (1935 г., реж. А.Евмененко), "Квартет" (1935 г., реж. А.Иванов и П.Сазонов), "Отважный моряк" (1936 г., по сказке Киплинга, реж. В.Сутеев) и др., мультипликация прочно закрепила свое положение в искусстве советской кинематографии. В это же время больших творческих успехов достигает и советская кукольная мультипликация. Талантливый режиссер и художник А.Л.Птушко выпускает на экран два полнометражных кукольных фильма "Новый Гулливер" и "Золотой ключик", с большим успехом прошедших не только в нашей стране, но и за рубежом. Это были первые советские фильмы с элементами мультипликации и, по тем временам, невероятный прорыв. В 1932 - 1935 гг. значительно увеличилась производственная база советской мультипликационной кинематографии. Организовались мультипликационные коллективы на Тбилисской и Ереванской киностудиях. На московских киностудиях был пересмотрен технологический процесс производства рисованных фильмов. Советская мультипликация расширилась, ей требовались новые производственные условия. В 1936 г. в Москве по решению правительства была создана специальная студия рисованных фильмов "Союзмультфильм". Это решение имело огромное значение для дальнейшего развития мультипликационного фильма в Советском Союзе. Киностудия "Союзмультфильм" объединила в себе ряд главных производственных коллективов рисованного фильма города Москвы, руководимых старейшими работниками советской мультипликации. Объединение мелких разрозненных студий в одну большую студию союзного значения не лишало своей индивидуальности режиссеров и художников, а наоборот, позволяло решать более сложные творческие и производственные задачи искусства рисованного фильма. Основная задача, которая была поставлена перед студией "Союзмультфильм" при ее организации, - это обслуживание детского и юношеского зрителя. Последующие работы советских мультипликаторов интересны дальнейшими поисками в области жанров мультипликационного искусства, борьбой за целеустремленностьсодержания мультфильмов в плане создания полезных воспитательных произведений для детей школьного и дошкольного возраста. Большое внимание художники и режиссеры стали уделять первоисточнику рисованного фильма - сценарию. Не располагая необходимыми кадрами сценаристов, режиссеры чаще всего прибегали к экранизации известных народных сказок или же популярных литературных произведений для детей советских авторов К.Чуковского, С.Маршака и других. В производстве появились и оригинальные сценарии - современные сказки "Дед Иван", "Ивась", "Кошкин дом", "Шумное плавание" и др.   В этот период в своих работах художники-мультипликаторы начинают постепенно осваивать цвет (Выходят первые цветные детские фильмы "Сладкий пирог" (1937 г., реж. Д.Бабиченко), "Красная шапочка" (1937 г., реж. В. и 3.Брумберг), "Маленький Мук" (1938 г., реж. О.Ходатаева), "Дзябжа" (1939 г., реж, М.Пащенко), "Дед Иван" (1939 г., реж. А.Иванов), "Лимпопо" и "Бармалей" (1940-1941 гг., реж. Л.Амальрик и В.Полковников) и многие другие). Эти произведения интересны своим изобразительным решением, богатством творческих находок, значительным ростом режиссерского мастерства в области рисованного детского фильма. Особенно выделялась картина талантливого художника-режиссера М.Пащенко "Дзябжа", поставленная по нанайской сказке. Это было подлинное художественное произведение, наполненное тонким юмором и очаровательной лирикой. Яркие, выразительные образы фильма - маленькой обаятельной девочки и ее друга, милой зеленой лягушки, вспоминаются и до сего времени. Помимо произведений для детей, советская мультипликация в предвоенные годы выпускает фильмы и для взрослых. Так, в 1939 г. выходят два мультипликационных политических плаката: фильм "Победный маршрут" (реж. Д.Бабиченко), рассказывающий о борьбе советского народа за укрепление могущества своей Родины, за выполнение и перевыполнение пятилетних планов развития народного хозяйства, и фильм "Боевые страницы" (реж. Д.Бабиченко, Л.Амальрик, В.Полковников), посвященный отдельным эпизодам борьбы c белогвардейцами во время гражданской войны. Это были первые серьезные работы жанра политического плаката. За ними выходят современная сатирическая сказка "Ивась" (реж. И.Иванов-Вано), а также несколько сатирических журналов, в которых затрагивались злободневные политические вопросы.   Советская мультипликация в послевоенные годы Началась Великая Отечественная война. Большое количество художников-мультипликаторов ушло в ряды действующей армии и на работу в военно-учебную кинематографию, которая в это время широко развернула свою деятельность в области мультипликации. Значительный подъем и более интенсивное развитие советской мультипликации относится к послевоенному периоду. В это время окончательно определились качественное своеобразие советской мультипликации и ее художественный стиль. Именно в это время наша мультипликация в лучших своих произведениях стала успешно решать важные идейно-художественные задачи. Советские художники мультипликационного фильма стали глубже осваивать традиции нашей литературы, фольклора и изобразительного искусства. Художники обращаются к русским и зарубежным классическим и народным сказкам, а также современным советским сказкам, в которых доминирующее место занимают проблемы советской морали. Продукция советской мультипликации постепенно выходит на мировую арену. Киностудия "Союзмультфильм" выпускает ряд интересных цветных картин: "Синдбад-мореход", "Пропавшая грамота" по повести Н.В.Гоголя (реж. В. и 3.Брумберг), "Весенние мелодии" (реж. Д.Бабиченко), "Песенка Радости" (реж. М.Пащенко), "Лиса и Дрозд" (реж. А.Иванов), "Павлиний хвост" (реж. Л.Амальрик и В.Полковников), "Тихая Поляна" (реж. Б.Дежкин и Г.Филиппов) и полнометражный фильм "Конек-Горбунок". Эти фильмы свидетельствуют о дальнейших успехах советской мультипликации, об умелой работе художников-мультипликаторов над образом рисованных персонажей. В каждой картине чувствуется индивидуальность художника. Из этого периода необходимо отметить замечательный лирический фильм М. Пащенко "Песенка Радости", в котором тонкий юмор сочетается с большой поэзией; смешной веселый фильм "Лиса и Дрозд" работы режиссера А. Иванова, и цветной полнометражный фильм "Конек-Горбунок" режиссера И.Иванова-Вано и художника Л.Мильчина, поставленный по известной сатирической сказке Петра Ершова. На основе памятников русского народного изобразительного искусства и архитектуры, старинной русской миниатюры, используя народный лубок, игрушку, художественную кустарную резьбу, авторы сумели создать яркое, жизнерадостное произведение. По свидетельству критики, фильм отражал подлинный дух русской народной сказки. Каждый персонаж в картине жил своей жизнью и имел не только свою особую внешность и повадки, но и свой характер; каждый из них по праву мог быть назван законченным художественным образом. Остроумные сюжетные положения, изобретательно найденные детали, разнообразная среда, в которой происходило действие, ясный, доходчивый текст, прекрасная музыка композитора Виктора Оранского - все это заставляло зрителя с неослабевающим интересом смотреть фильм от первого до последнего кадра. Конечно, этот фильм не был еще совершенен, как многие последующие работы советской мультипликации, но в нем были капитально заложены основы полноценного художественного произведения, отчего он до сего времени не устарел и смотрится с большим интересом не только в Советском Союзе, но и во многих странах мира. Советская мультипликация создала себе прочное положение на международном кинематографическом рынке, о ней стали говорить, о ней стали писать за границей. В последующие 1948-1950 гг. были созданы новые значительные произведения. На экран выходят такие фильмы, как "Слон и муравей", "Лев и заяц" (реж. Б.Дежкин и Г.Филиппов), "Охотничье ружье" (реж. П.Сазонов), "Сказка о солдате" и "Федя Зайцев" (реж. В. и 3.Брумберг), "Серая шейка" (реж. Л.Амальрик и В.Полковников), "Цветик-Семицветик" (реж. М.Цехановский), "Машенькин концерт" и "Когда зажигаются елки" (реж. М.Пащенко), широко известные за пределами нашей Родины.   Борясь за повышение идейно-художественного качества мультипликации, советские художники в это время самое серьезное внимание обращают на сценарий. Требования к мультипликационному сценарию, как первоначальной основе будущего рисованного фильма, сильно повышаются. Над сценариями для рисованных фильмов начинают работать известные детские писатели В.Бианки, Л.Кассиль, С.Маршак, С.Михалков, Г Скребицкий, В.Чаплина, кинодраматурги Н.Абрамов, Г.Березко, М.Вольпин, Г.Гребнер, Н.Эрдман, В.Сутеев и др., которые в тесном содружестве с режиссерами и художниками-мультипликаторами помогли выпустить ряд интересных рисованных фильмов. Помимо этого большую роль в производстве мультипликации начинает играть литература классических произведений и народные сказки, что делает наши рисованные произведения более содержательными и интересными. Для советской рисованной кинематографии огромное значение имел фильм "Серая шейка", который и по сей день остается одним из лучших советских мультипликационных фильмов с одушевленными, очеловеченными персонажами из мира животных. Режиссеры Л.Амальрик, В.Полковников и художник-постановщик А.Трусов наделили героев своего фильма образными индивидуальными характеристиками. В условных, сказочных персонажах фильма ярко были выявлены подлинные человеческие характеры. Это произведение сыграло большую "роль в борьбе за реализм мультипликационного искусства, оно помогло преодолеть многие заблуждения, формализм и ненужное трюкачество, бытовавшие среди некоторых художников мультипликации. Для нас фильм "Серая шейка" является классическим произведением мультипликационного искусства. Эта картина прошла с большим успехом по многим странам.   http://artweek.ru?show_news=71 09/03/2008 Современное искусство: за и против   Арина Филиппова 3 янв 2008 в 14:47 Я не понимаю послевоенное изобразительное искусство! Может, морально не доросла =) но тем не менее консервная банка, названная гениальным творением, меня раздражает. Здесь играют имя и деньги. Каково Ваше мнение? Танечка ღ ツ ღ Старнова 3 янв 2008 в 16:07 Я так за. Ведь изображая и изобретая какие-то новые (современные) "вещи" люди открывают новую логику мышления...Может это не так уж и плохо. А вот про консервную банку,я согласна с тобой, Арина. Настя *нужен этот ник...* Морозова 3 янв 2008 в 18:30 искусство современное- это не только консервные банки. есть много авторов, не претендующих на оригинальность, но пишущих картины, воплощающие чувства, не зависящие от времени. Арина Филиппова 3 янв 2008 в 19:44 Да, авторы такие существуют, но я говорю именно о "консервыных банках" и прочем хламе Настя *нужен этот ник...* Морозова 4 янв 2008 в 17:36 тогда не стоит чернить все послевоенное искусство. если ты о банках- тогда стопроцентно против. искусство должно украшать или на худой конец отражать жизнь, а не опошлять ее. Арина Филиппова 4 янв 2008 в 20:59 Нет, ты себе противоречишь. "Есть много авторов, не претендующих на оригинальность, но пишущих картины, воплощающие чувства, не зависящие от времени," - не зависящих от времени, пишущих по канонам эстетического мировосприятия, не абстрактного! Я говорю о том, что в современном искусстве сущесвует такая тенденция - выдавать желаемое за действительное. Настя *нужен этот ник...* Морозова 8 янв 2008 в 16:58 не поняла, где противоречие.то, что "авторы не претендуют на оригинальность,но пишут картины, воплощающие чувства, не зависящие от времени", вовсе не обозначает их приверженность к классическим канонам. импрессионисты действовали вразрез каноничной Академии, но чувства выражали те же, что и "академики" ватто и фрагонар.абстрактное мировосприятие может быть выражено через конкретный образ. пример- не знаю, что-нибудь из брейгеля...тоже ведь классик? и все-таки я не понимаю, в чем противоречие, если консервные банки все так же остаются хламом, а centre pompidou в париже- его собирателем? Арина Филиппова 20 янв 2008 в 0:04 Послушай, все в искусстве выражается через конретный образ - аллегорию (я говорю о классическом восприятии). Импрессионисты - новое веяние, ставшее для нас классикой, образцом. К тому же художники данного направления просто нечетко изображали конкретные материальные образы, будь то море или город, например. Если отойти подальше, все станет ясно. Centre Georges Pompidou я считаю чем-то развлекающим, нежели воспитывающим. Искусство должно не только развлекать, но и воспитывать! Фрагонар и Ватто не импрессионисты, а приверженцы стиля рококо, вообще-то... для них и темы другие, не попытка запечатлить мимолетный образ, игру света и тени, а искусство на личные темы, галантные. Мы с тобой говорим на разных языках. Понимаешь, многое из выдаваемого сегодня за искусство я таковым не считаю. Например, Kiasmа museо в Хельсинки. Посмотри, если не знаешь. Это не музей, а просто парк аттракционов, неплохих, правда. Иоан Карпушев 20 янв 2008 в 1:23 Про современное искусство можно много и долго говорить, а много и так уже сказано... Поэтому не буду повторяться!.. Я хочу поговорить о "консервных банках"... Собственно говоря, как же так получилось, что "консервная банка" стала "шедевром" искусства, не побоюсь этого слова - культурным наследием человечества [;)]? По моему мнению тут роль сыграла сама судьба, собрав в одном месте и в одно время столько факторов. А именно: ... 1) После войны, ужас которой сильно надломил все моральные, духовные устои общества, центр общественной жизни "переехал" в Америку, страну весьма либеральных нравов и устоев. После "великой депрессии" в этой стране люди научились зарабатывать себе копейку всеми доступными способами. А что является главным источником прибыли во все времена? Правильно, торговля! А чтобы товар как можно лучше продавался (не взирая на качество) - его надо хорошо... РАЗРЕКЛАМИРОВАТЬ! По сути дела, как это не парадоксально, но реклама стала частью искусства (мне конечно многие будут возражать по этому поводу, но какой процент Художников и художников заняты сегодня попытками выудить из нашего кармана ещё один доллар по средством манипулирования нами со своих рекламных детищ?!) ). Ну вот а теперь подумайте знали бы мы что есть на свете компания "Кэмбэл", если бы товарищу Уорхалу не нужны были деньги на кокаин? [;)] (на счёт кокаина и Уорхала я точно не знаю, может он принимал что-нибудь покруче, но в их тусовке такие игрушки весьма популярны) 2) (так теперь, раз уже начал нумеровать, придётся найти ещё пару факторов) 3) Ну вот пожалуй и придумал!) На земле 6 млрд. человек. Большинство из них считают себя весьма умными и талантливыми, и теоретически каждый из них Художник. Все хотят раскрыть свой талант. И само сабой никто из них не хочет быть всего лишь повтором чужой идеи. Все (ну или почти все) стараютя хоть как-то выделится. Получается у них это естественно по их интеллектуальным и психическим возможностям. А в последнее время (тут целый ряд глубинных предпосылок) модным является именно самое непристойное, низменное, эгоистичное, развратное, что очень сильно упрощает задачу современным "художникам". Один говорит: "Жопа!", и все в восторге: "Это же свержение старых стереотипов и догм", другой ему в ответ: "Х%Й!", и зал в неистовстве рукоплещет... 4) Следующая причина гораздо интересней. Зачастую в создании подобных произведений автор закладывает какой-то смысл, какой-то подтекст. И тут можно вспомнить советских художников начиная с "оттепели", которые в завуалированной (и не очень) форме критиковали, осуждали и обличали власть. Предмет искусства становится знаком, "ярлыком" какой-то идеи. В продолжение темы о подтекстах вкладываемых авторами в их работы, я бы хотел задаться вопросом... А не хотят ли авторы нас же с вами спросить: "Что важнее и должно главенствовать в современном искусстве - оболочка, нацеленная на простое удовлетвлетворение наших духовных потребностей, или же идея, скрытый смысл, который надо найти и разгадать?"? И от того, как мы ответим на этот вопрос, зависит будущее развития искусства. Иоан Карпушев 20 янв 2008 в 1:23 p.s. хотя на самом деле факторов и предпосылок (любого явления) гораздо больше (их всех и не перечесть, потому что они вокруг нас, они - это мы)... жизнь, и всё что мы знаем о мире мы экстраполируем на нашу жизнь, создавая наш образ из готовых шаблонов. И чем больше мы знаем о мире тем более интересен и разнообразен наш образ. Все исторические явления логичны оны поямляются там и тогда когда общество к ним готово. И не надо плакаться что "вот раньше было лучше". Не нравится - старайся повернуть маховик вспять, но для этого придётся много радотать создавая вокруг себя уникальный, обасобленный от всего прочего мир... Такова учесть Художников!-) Иоан Карпушев 20 янв 2008 в 1:23 p.p.s всё вышеизложенное является лишь моим частным мнением, и не может восприниматься со всей серьёзнастью, поскольку писалось в час ночи. С Уважением! Иоан Карпушев для Арины Филипповой и её замечатьльной группы. 20.01.2008 Настя *нужен этот ник...* Морозова 28 янв 2008 в 17:40 гениальный вопрос для Арины Филипповой.где я заявляла, что ватто и фрагонар-импрессионисты? их я, ничтожнейшая и тому подобное, назвала академиками(или консерваторами, как бы их окрестили, твори они в конце девятнадцатого столетия). и сравнение их с вышеупомянутыми импрессионистами- лишь художественный прием, в точности расшифровывающийся следующим образом: "их когда-то не понимали, отрицали их творчество, всячески клеймили, и в результате возник Салон Отверженных."последний начал в искусстве новую эпоху,внес в живопись море новых имен и расширил границы импрессионизма как стиля.это направление перетекло в музыку и литературу и обогатило как их, так и живопись, с которой все,собственно и начиналось. когда-то их не понимали. теперь их обожают миллионы, картины заслуженно занимают в музеях главные галереи. как знать, может, критикуя послевоенное искусство, мы неправы точно так же, как и журналисты "monde" и "revue parisien" семидесятых годов девятнадцатого века? ты говорила о развлекательной функции центра помпиду.вероятно. но если выставленный в нем (цитирую)"хлам" позиционируется как "искусство", то, может, перестать его таковым называть? тогда спор исчезнет сам собой. хотя, вынуждена себе и -не только- противоречить, среди выставленных там работ попадаются весьма и весьма интересные. но назвать их "oeuvre d'art" язык не поворачивается. иоану карпушеву- огромное спасибо за объективный, но,на мой скромный взгляд, немного злой подход к теме послевоенного искусства.   http://artweek.ru?show_news=70 Слова художника.... Творчество Врубеля   Юлия uiliaaa Чугунова 29 ноя 2007 в 12:32 Раз мы говорим об этом человеке, то наверно нас интересует не только его творчество, но и жизнь... Предлагаю здесь оставлять слова, мысли как самого Врубеля, так и людей, которым удалось с ним пообщаться... Юлия uiliaaa Чугунова 3 дек 2007 в 1:28 "Вообще я положил себе за правило отвечать как можно обстоятельнее и логичнее на вопросы, которые задаешь себе по поводу разных явлений в жизни окружающего - настоящей и прошедшей...." Юлия uiliaaa Чугунова 31 дек 2007 в 15:57 Ф.А. Усольцев : "Он творил всегда, можно сказать непрерывно, и творчество было для него так же легко и так же необходимо, как дыхание. Пока жив человек, - он все дышит, пока дышал Врубель, он все творил" Сеня Соколов 3 янв 2008 в 2:54 Усольцев оставил любопытные воспоминания: "Часто приходится слышать, что творчество Врубеля больное творчество. Я долго и внимательно изучал Врубеля, и я считаю, что его творчество не только вполне нормально, но так могуче и прочно, что даже ужасная болезнь не могла его разрушить... До тех пор пока Врубель мог держать карандаш и мог видеть, он ' работал, выполняя не рисунки сумасшедшего, но произведения, относящиеся к шедеврам рисовального искусства... Юлия uiliaaa Чугунова 21 янв 2008 в 0:04 "Нарисуйте попробуйте просветы воздуха в ветвях..." Врубель Юлия uiliaaa Чугунова 21 янв 2008 в 1:22 В. Брюсов: "Творческая сила пережила в нем все. Человек умирал, разрушался, мастер продолжал жить"   http://artweek.ru?show_news=69 Тема: Кто под какую музыку предпочитает творить? и под музыку ли?   Ольга crazy painter Зиневич 5 ноя 2007 в 15:51 конечно, лучше под музыку, хотя это необязательно о, под разную... чаще всего под Placebo, Muse в общем, под такую, которая заставляет задуматься Анастасия Буденкова 5 ноя 2007 в 16:21 Согласна) а еще люблю что-нибудь типа Aerosmith включить.... или скажем первые альбомы Земфиры. Наталья Gata Шульга 7 ноя 2007 в 19:21 если цвет, то в тишине, потому что краски сами как музыка, а если графика, то действительно задумчивая музыка, для меня это Дебюсси, Японская музыка, звуки природы, джаз хотя бывает что и под радио рисую, когда неймецца Christina Icebaby 8 ноя 2007 в 16:10 всегда под музыку рисую..так лучше процесс идёт=) в основном либо минимал либо прогрессив транс) Лена LK Кирьянова 8 ноя 2007 в 17:34 От настроения зависит: Мельница, Apocalyptica, Fleur, Кино Марина Ермолаева 12 ноя 2007 в 15:39 а я под грузинскую национальную :) мне почему-то с ней легче рисуется Ирина [Альма] Гареева 13 ноя 2007 в 21:18 Не могу работать в давящей тишине. И так не только с рисованием, а со всеми видами деятельности. Обязательно что-нибудь включено для шумового фона: чаще музыка, которая отобрана на компе, реже - телевизор на нейтральном канале (AnimalPlanet или детский - они не отвлекают от работы). Nastusha ...в ожидании чуда... Epishova 15 ноя 2007 в 1:50 Я под какую-нибудь жизненную, под которую можно задуматься, ну я в художке lumen слушаю... Анна Amaliya Савина 3 дек 2007 в 17:48 Под музыку хорошо приходят идеи, но, когда дело доходит до детальной проработки, необходима тишина и сосредоточение...хотя тишина хорошо заменяется плавными мелодичными инструменталками вроде Gandolf ;) Сергей Дмитриев 3 дек 2007 в 20:36 Хм, под разную хорошую музыку) Фолк какой-нибудь, этника, Bob Marly, King Crimson, Richard Bona, Nobuo Uematsu)) Да самая разная музыка - главное, чтобы она не нагружала. ЗЫ Слово "творить" страшное( Ирина Силантьева 19 дек 2007 в 23:22 Нет. Без музыки. Я не Юлий Цезарь. Могу серьезно сосредоточиться только на чем-нибудь одном Светочка Быстрова 20 дек 2007 в 15:34 Под музыку и только под нее.. Только портрет нарисованный под нее передает чувства))) Сейчас это "Сегодня ночью", еще Radiohead - правда лишь те песни, в которых нет депрессии.. Энимал Джаз.. Юлия Лучина 23 дек 2007 в 17:12 "МЕЛЬНИЦА","ЭПИДЕМИЯ"и все такое!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!) Роман LIRO Лимонов 24 дек 2007 в 20:10 я включаю что-нибудь спокойное, монотонное Ксюша Санта Мария Спалмейрос Мармеладова 12 янв 2008 в 1:50 Кидаюсь из крайности в крайности. Это может быть как энигма всевозможный minimal, так и DnB... Но присутствие её мне необходимо, это факт. Юлька Дудяк 13 янв 2008 в 15:44 Первый раз задумываюсь над этим. Нужно будет по-экспериментировать. Давид Габаташвили 13 янв 2008 в 23:41 В любом случае все зависит от того, что вы пишете... Если это серьезная работа, где от вас требуется точность, музыка должна быть спокойной. Свободное творчество - кто на что горазд (в плане музыки конечно). А вообще рекомендовал бы больше не музыку слушать а что то со словами. Аудиокниги или что-то в этом духе. Очень хорошо идет DAB :-) Евген Fakka Сафонов 25 янв 2008 в 22:48 а просто живу под музыку! поэтому в процесе рисования может играть все что угодно!! зависит от настроения, может играть поп-панк, а может и альт-метал! но музыка звучит всегда)))   http://artweek.ru?show_news=68 Как отличить пошлятину от истинного искусства???   Надежда :) ت Першина 4 фев 2008 в 11:47 пошло - это не только "обращение к низменному", это в основном, когда расчитано на массовость, "базарная живопись", когда у автора в процессе в голове не натура, не образ, а денежные купюры only. натюрморты тоже пошлые бывают!!! Владимир rinnegato Шутов 5 фев 2008 в 6:45 Я когда-то работал в одном КБ и было у меня два друга,дизайнера, один пожилой,скажем так, другой мой ровесник и они все время спорили, один говорил, что мы должны давать народу то, что он хочет, другой, что мы должны воспитывать вкус у народа, они так и недоговорились, думаю истина лежит где-то посередине, т.е. давая людям то, что они ждут от нас, мы должны нести лучшее на, что мы способны, это я к тому, что на нас лежит большая ответственность, но мы о ней часто забываем. Я согласен с Надеждой, хотя не думаю, что "базар" здесь является каким-то определяющим критерием Сюзанна О`Риордан 5 фев 2008 в 11:53 иногда у автора в голове "высокое искусство" а выходить всё равно пошлятина Аннушка Маньякубийца 8 фев 2008 в 19:41 я думаю, чт осейчас это вопрос актуален как-никогада в связи с быстрым развитием рекламы и графического дизайна, в связи с огромным количеством неклассических стилей живописи и рисунка... Если взять Возрождение, то тут всё ясно - всё искусство... античность... и то, мало в то время дряни было... А теперь вообще не разобраться.... До определённой поры художнику стоит указывать на его ошибки - когда у тебя нет опыта, навыка, то ты можешь многого не замечать... Иначе зачем учиться в худ. зоведениях??? Ирина Баранец 8 фев 2008 в 19:51 Если ученик учится в художественном заведении, то у него есть преподаватели, которые его и учат. Ученик изначально поставил себя в такие условия. Ученик ПРОСИТ у преподавтеля указывать на ошибки. Я говорю не об этом! Например, у меня есть приятельница - прекрасная акварелистка, член Союза. То, что она делает на бумаге - совершенно прекрасно, но ее компьютерная графика, на мой взгдяд, - полная пошлятина. Так что я ей буду указывать? Она меня не спрашивает!. :)) http://artweek.ru?show_news=67   Как понять - бездарность ты или нет? Аннушка  25 янв 2008 в 20:27 Есть ли разница, на сколько хорошо ты что-то делаешь, если других людей это делает счастливыми? Как понять, что ты - посредственность? Может я занимаюсь не тем, чем должна? <<— Неправда. Картины пишут только потому, что не могут не писать. Это такая же функция организма, как и всякая другая, только она присуща далеко не всем людям. Картины пишут для себя; в противном случае надо кончать самоубийством. Вы только вдумайтесь: тратишь бог знает сколько времени, чтобы выразить что-то на холсте, вкладываешь в это все силы своей души, а чем все это кончается? В девяти случаях из десяти картину не примут в Салон, а, если ее и возьмут, посетитель взглянет на нее мимоходом — и только; если вам повезет, ее купит какой-нибудь безграмотный болван, повесит на стенку и перестанет замечать, как свой обеденный стол. Критика не имеет к художнику никакого отношения. Она рассматривает явления искусства объективно, а объективность художника не интересует. Клаттон прикрыл руками глаза, словно для того, чтобы получше сосредоточиться на том, что он хочет сказать. — Художник получает свое особое ощущение от видимого мира и не может не выразить его; он сам не понимает, почему это ощущение он выражает при помощи линий и красок. С музыкантом происходит то же самое: стоит ему прочесть несколько строк, как в голове у него возникает комбинация звуков; он не знает, почему те или иные слова вызывают в его воображении те или иные звуки, но это так. И я могу привести вам еще один довод в пользу того, что всякая критика бессмысленна: великий художник заставляет людей видеть природу так, как видит ее он; но приходит следующее поколение, и другой великий художник видит мир уже по-иному, современники же судят о нем не по его законам, а сравнивая его с предшественником. Так, например, барбизонцы учили наших отцов смотреть на деревья определенным образом, а, когда появился Моне и стал писать иначе, люди сказали: «Но ведь деревья совсем не такие!» Им было невдомек, что деревья всегда такие, какими предпочел увидеть их художник. Мы рисуем, изнутри приближаясь к внешнему миру; если нам удается навязать свое видение другим, нас зовут великими художниками; если не удается, нас не признают, но мы-то сами остаемся такими, как есть. Величие или ничтожество не играют для нас никакой роли Неважно, какая судьба постигнет нашу работу: мы получили от нее все, что она могла нам дать, покуда мы ее делали.>> Уильям Сомерсет Моэм Сюзанна О`Риордан 25 янв 2008 в 22:45 по поводу критиков, один мой преподаватель (при обсуждении почему на просмотре преподаватели поставили мне низкую оценку) сообщил мне, что все критики бесполезные и мелкие людишки, ибо они считают что имеют право судить о творчестве других людей при этом сами ничего не производят. В последнее время часто думаю о субъективности в понятии что такое талант и бездарность, вкус и безвкусица и пока не нахожу ответа Серёга Логак 27 янв 2008 в 15:01 Не существует бездарных людей. Это мы для себя сочинили всевозможные уровни таланта, техничности и т.д.Все это производное наших больных мозгов. Разговор о техническом совершенстве - из другой опере абсолютно. Ребенок, рисуя красной гуашью полуквадратное солнце, упивается своим творчеством и ему совершенно по барабану, что скажут об этом окружающие.Мы перестали быть детьми. Ксандра Zf-Art Осинина 27 янв 2008 в 15:46 Не знаю ИМХО если критикуют - то не бездарность, и чем яростней критика, тем ярче значит работа. Потому что ЗАЦЕПИЛО! К примеру, большинство трудоемких, техничных, правильных работ абсолютно безлики, они не вызывают эмоций, пожалуй только у других художников, которые знают насколько это трудоемко и технично. И, при этом, зачастую запоминаются и вызывают эмоции (а уж положительные или наоборот - зависит от критика))) работы какие-то вроде даже нелепые и детские, но зато необычные, интересные своей неправильностью. Собственно, критиками действительно как правило выступают люди, которые точно знают как должно быть, но сами ничего не делают в этой сфере. Именно поэтому там, где один с пеной у рта будет доказывать, что ты не художник, а бездарь (опять же в силу собственной, критика, жизненной неудовлетворенности), другой человек увидит обширный внутренний мир и все то, что ты хотел своей работой донести, правда совсем по-другому, чем себе представляешь изначально ;-))) Katka AdamovoRebrishko* Ivanik 28 янв 2008 в 21:17 Надо пройти тест..))))))))) А лучше просто жить, заниматься всем, к чему душа притянется ( а должна притянуться хоть к чему-нибудь)), и вот тогда...! Мещерова Альфия 29 янв 2008 в 13:24 Талант всегда заявит осебе. Мы можем не обращать внимания на его голос, уступив всяким "правильным" рассуждениям о том, "что сначала нужно получить прфессию, чтобы был кусок хлеба....." Но он (талант) все равно будет рваться наружу, пока рассудок его окончательно не затопчет :((( Это грустный вариант развития событий. Лучше будет, если мы его все же услышим и постараемся его развить. Господь спросит с нас за зарытые в землю таланты. Аннушка Маньякубийца 29 янв 2008 в 20:33 Koska Kanta неа) Бремя страстей человеческих... Там много пл этому поводу вещей, но просто я не нашла ещё одну фразу - она звучит примерно так - что самое ужасное, когда человек хочет заниматься искусством, а у него к этому нет абсолютно никаких способностей.... На самом деле очень трудно вынести психологический напор даже не со стороны критиков или преподавателей, а то, что среди учащихся создаётся своеобразная конкуренция... кого-то ещё хвалят ,кого-то сами согрупники считают лучше... ты начинаешь думать о том ,что тебе тут вообще делат ьнечего... А у меня сейчас вообще проблемы с живописью... - если б мне в наглую не писали.. я бы получил 2((( Koska Kanta 30 янв 2008 в 17:14 в этом есть преимущество, на мой взгляд, у самоучек - не озираться на остальных и делать что хочешь и как хочешь и можно никому не показывать и получать удовольствие от самого процесса творчества ) http://artweek.ru?show_news=66 Тема: «Правила» беседы с художниками о живописи   Коста Динче 3 ноя 2007 в 18:01 1. Художники все самовлюбленны. Это надо учитывать в диалоге. 2. Каждый художник - самый крутой. А грузинский художник - еще круче. 3. При обсуждении картины при авторе не пытайтесь поумничать про технику. Хотите показаться умным - хвалите картину. 3А. Никогда не употребляйте термины, значения которых Вы не понимаете (импрессионизм, абстракция, лессировка). На представленной картине может не быть ни того, ни другого, ни третьего. 4. Никогда не говорите художнику, что хотите купить у него картину, если не собираетесь это делать. 4А. Тем более, не рассказывайте, что собираетесь купить картину у другого художника, вне зависимости от того, правда это или вымысел. 5. Никогда не пытайтесь поумничать, сказав "А я знаю такого современного художника Васю Пупкина! Вы про него слыхали?" В глазах художника Вы упадете ниже планки. 5А. Еще хуже, чем рассказывать, что Вы знаете какого-то художника это пытаться рассказать, какую он оригинальную использует технику (картон поверх холста, коллаж и еще поверх акварелью) 6. Никогда не обсуждайте, понравился ли Вам сюжет картины. Глупее, чем высказывание "картина хорошая, но я не люблю море (лес, портреты, птиц итд)" может быть только высказывание: "Опера Бизе хорошая, но мне не нравится, пАтомучто про цыган, а я цыган не люблю". 6А. Никогда не восхищайтесь тем, что изображенное на картине совпадает с Вашими воспоминаниями или впечатлениями. То, что Вы были на той горе, которая изображена на пейзаже - всего лишь факт Вашей биографии. 7. Никогда не говорите, что картина напоминает Вам Дюрера (Леонардо, Пиросмани, Глазунова). По крайней мере, если не хотите нажить врага в лице автора. 8. Если Вы восторгаетесь впечатлением от произведения, то избегайте конкретики! Если не уверены на 100%, что Ваша трактовка совпадает с трактовкой автора. 9. Никогда не высказывайте суждения об искусстве, опираясь на услышанное в СМИ или от подруг. 10. Никогда не предлагайте художнику оценить свое самодеятельное произведение, в надежде, что оно окажется шедевром, ибо оно - гавно. 10А. "Я тоже рисовал в детстве" звучит, как минимум, глупо. 11. Никогда не говорите, что картина подойдет к Вашему дивану (шкафу, интерьеру, собачке, кабинету, столу, аквариуму). Диван - утилитарен, картина нет. 12. Спрашивайте о стоимости картины только если у Вас в кармане лежит потенциально достаточная сумма. 14. Если Вы хотите похвалить при живом художнике одного из старых мастеров, делайте это аккуратно и без употребления технических терминов. Смотри пункт 3А. 14А. Никогда не хвалите при художниках Илью Глазунова, Бориса Валеджо и Никаса Сафронова, даже если они Вам действительно нравятся. 15. Если Вы хотите похвалить портрет, представленный Вам на критику, то ни в коем случае не употребляйте выражение "очень похож(а)". Вместо этого используйте слова "как живой". 15А. Ни в коем случае не пытайтесь критиковать пропорции лица на портрете, в крайнем случае скажите, что "черты лица красиво стилизованы". 16. Если художник хочет написать Ваш портрет, то не думайте, что он делает это потому, что у Вас уникальное лицо. Скорее всего, он хочет заработать деньги. Или затащить Вас в постель. Или и то и другое. 17. Никогда не спрашивайте что означает "Черный квадрат" Малевича. Просто не спрашивайте. 18. Если Вы собрались покупать картину, то никогда не пытайтесь себе представить, какое это произведет впечатление на Ваших друзей. Друзья могли не успеть прочитать эту инструкцию. Если после всего этого у Вас нашлось, что сказать, то Вы (возможно) немного разбираетесь в Искусстве. (с) Денис Мезенцев, типограф для дилетанта   http://artweek.ru?show_news=65 Международный каталог "Новые лица в искусстве" / New Faces in Arts" выходит два раза в год - в соответствии с периодичностью Ассамблеи Искусств. В него войдут все участники "Асссамблеи Искусств". Количество полос - 208. Каталог выходит на двух языках - английском и русском. Количество экземпляров - 3000 экз. По вопросам коммерческой публикации в каталоге: (495) 5068044 http://artweek.ru?show_news=64   ПРЕСС-РЕЛИЗ     Всероссийский фестиваль детского и молодежного творчества «КРЕМЛЕВСКИЕ ЗВЕЗДОЧКИ» в 2008 году пройдет в более 40 городах Российской Федерации и завершится финалом в Государственном Кремлевском Дворце в период школьных осенних каникул 2008 года.   Проект проводится в «Год семьи» и призван содействовать организации досуга и всесторонней поддержки талантливых детей, подростков и молодежи, создание условий для обмена педагогическим опытом. Особое внимание в проекте уделяется поддержке творческой работы детей-инвалидов, детей из многодетных семей и сирот. Фестиваль «Кремлевские звездочки» является некоммерческим мероприятием и преследует исключительно творческие цели. Участники фестиваля: Детские и молодежные коллективы и индивидуальные авторы и исполнители от 4 до 20 лет.   Фестиваль «Кремлёвские звёздочки» включает программы и конкурсы по широкому спектру творческого развития детей, подростков и молодежи: 1) Программа для творческих коллективов а) Конкурс театров моды и детско-юношеских модельных агентств б) Конкурс хореографический коллективов 2) Программа для индивидуальных исполнителей а) Конкурс юных моделей «Мисс звездочка» и «Мистер звездочка» б) Конкурс юного танцора в) Конкурс юного художника г) Конкурс юного дизайнера 3) Дополнительно в рамках Фестиваля пройдет конкурсная номинация: а) Конкурс дизайнеров детской и подростковой одежды   Для участников фестиваля предусмотрены экскурсионные и культурно - развлекательные программы. Все коллективы получают диплом участника, дипломанта или лауреата конкурса. На фестивале учреждены специальные призы от спонсоров, организаторов, попечителей, жюри, прессы.   В жюри входят ведущие представители культуры и искусства, модельеры, художники, профессиональные режиссеры, хореографы, педагоги, фотографы, представители модельных агентств. Гостями проекта станут сенаторы Совета Федерации РФ, депутаты Государственной Думы РФ, представители посольств зарубежных стран в Москве, солисты московских театров, представители деловых структур, культурных и общественных организаций, артбомонд. Среди приглашенных средств массовой информации — издатели и главные редакторы глянцевых art- и fashion-журналов и ведущие российские телеканалы.   Дополнительную информацию можно найти на официальном сайте проекта: www.kinderfestival.ru     Оргкомитет: Тел.: (495) 5068044, 6085044 Факс: (495) 1787467, Моб.: 8-926-2260360, 8-915-0120288 Website: www.kinderfestival.ru e-mail: info@kinderfestival.ru http://artweek.ru?show_news=63 РОССИЙСКАЯ НЕДЕЛЯ ИСКУССТВ "RUSSIAN ART WEEK / АССАМБЛЕЯ ИСКУССТВ" Организаторы: Московский Союз художников, Фонд «Искусство будущего», Международная Ассоциация образовательных учреждений искусства, дизайна и общественных коммуникаций, Московский Фонд культуры, Музей народной графики, PR-агентство “NextART Media”.   Цель международного проекта «RUSSIAN ART WEEK / АССАМБЛЕЯ ИСКУССТВ» – презентация широкой общественности и профессиональной аудитории творческих работ авторов из Российской Федерации и стран СНГ, знакомство российской аудитории с художественными работами зарубежных авторов и презентация отечественной художественной школы в зарубежных странах. Оргкомитет оказывает всестороннюю продюсерскую помощь художникам, публикуя ВСЕ (!!!) конкурсные работы в Международном каталоге «New Faces in Arts» (Новые лица в искусстве), выходящим на двух языках (русском и английском). В программе Ассамблеи Искусств – брифинги, диспуты, круглые столы и широкое неформальное обсуждение конкурсных работ профессиональной аудиторией из России и стран Евросоюза В течение 4-х дней для участников Ассамблеи Искусств и молодых специалистов арт-среды пройдут многочисленные лектории и мастер-классы. Площадки: Конкурсная программа Международной Ассамблеи Искусств проходит на одной из лучших выставочных площадок Москвы - в Выставочном зале Московского Союза художников "Московский Дом Художника" (ул.Кузнецкий мост, д.11, ст.метро «Кузнецкий мост») География участников: В Ассамблее Искусств принимают участие конкурсанты из России, стран бывшего Советского Союза и стран дальнего зарубежья. Общее количество участвующих стран – 19, количество городов – более 150. Конкурсная программа «RUSSIAN ART WEEK / АССАМБЛЕЯ ИСКУССТВ» включает:          I.      Международный конкурс фотографии II.        Международный конкурс по графическому дизайну III.      Международный конкурс дизайнеров ювелирного дизайна IV.      Международный конкурс живописи V.       Международный конкурс скульптуры VI.      Международный конкурс анимации VII.    Международный фестиваль Школ Искусства   Для участия в конкурсной программе «RUSSIAN ART WEEK / АССАМБЛЕЯ ИСКУССТВ» необходимо прислать в оргкомитет следующие материалы: а) анкету участника; б) фотографии автора и соавтора размером 3х4 см.; в) фотографии конкурсных работ (каждая работа - отдельным файлом); г) копию оплаты вступительного взноса. ДОПОЛНИТЕЛЬНАЯ ИНФОРМАЦИЯ:   Тел.:    (495) 5068044; Тел./факс: (495) 6085044, 1787467 Моб.:    +7-926-2260360, +7-915-0120288 Website: www.artweek.ru e-mail:    info@artweek.ru ICQ 439 001 943   http://artweek.ru?show_news=62 2008.06.01 МЕЖДУНАРОДНЫЙ АРТ-КАТАЛОГ  "НОВЫЕ ЛИЦА В ИСКУССТВЕ /  New Faces in Arts" Более 800 конкурсных работ по живописи, графики и фотографии! Уникальные работы! Возможно приобрести Международный каталог "НОВЫЕ ЛИЦА В ИСКУССТВЕ / New Faces in Arts" Для этого Вы должны отправить запрос одним из следующих способов: а) по телефонам: (495) 5068044, +7-926-2260360 б) по ICQ 439 001 943 в) по email: info@artweek.ru Запрос включает: 1) фамилию, имя и отчество 2) полный почтовый адрес (с индексом) 3) количество каталогов 4) контактные телефоны, email (если есть) и ICQ (если есть) Далее Вы оплачиваете стоимость каталога: а) через Сбербанк  (скачать квитанцию) б) или за наличный расчет Стоимость каталога Вы расчитываете следующим образом: I. при самовывозе:    а) для опубликованных художников: первый экземпляр - 350 руб., последующие - по 450 руб.    в) для желающих: 450 руб./экземпляр II. при пересылке почтой "Бандероль с уведомлением": СТОИМОСТЬ ОДНОГО ЭКЗЕМПЛЯРА:  а) по России: 550 руб. (включая почтовые расходы-"Бандероль с уведомлением") б) по странам СНГ: 750 руб. (включ. почт. расходы-"Бандероль с уведомлением") в) для стран дальнего зарубежья: 25 евро РАСЧЁТ СТОИМОСТИ ДВУХ и БОЛЕЕ ЭКЗЕМПЛЯРОВ:  Формула для России и СНГ:  {Количество экземпляров}х{450 руб.}+{Стоимость пересылки} а) Стоимость пересылки: по России:  за один экземпляр: 200 руб.; за два экземпляра: 250 руб.; за три экземпляра: 300 руб. и т.д. б) Стоимость пересылки: по СНГ:  за один экземпляр: 300 руб.; за два экземпляра: 400 руб.; за три экземпляра: 500 руб. и т.д. Скачать квитанцию для оплаты "Квитанция" (для России и стран СНГ) Скачать квитанцию для оплаты "Квитанция - Invoice" (для стран дальнего зарубежья) После оплаты необходимо позвонить: а) по телефону: (495) 5068044  или б) по ICQ: ICQ 439 001 943 или в) по email: info@artweek.ru . Некоторые страницы каталога: 2 страница обложки 3 стр. 4 стр. Стр.11 (живопись) Стр.13 (живопись) Стр.19 (живопись) Стр.25 (живопись) Стр.55 (графика) Стр.61 (графика) Стр.69 (графика) Стр.75 (графика) Стр.106 (фото) Стр.118 (фото) Стр.122 (фото) Стр.133 (фото) Стр.144 (фото) Стр.156 (фото) Стр.162 (фото) Стр.174 (фото) Стр.186 (фото)  3 страница обложки    4 страница обложки                                                   http://artweek.ru?show_news=61 2007.11.10 В рамках RUSSIAN ART WEEK 2007(осень) объявляется специальный конкурс от галереи «Art-Salon.ru» - конкурс зрительских симпатий: "ЛУЧШИЙ ПОРТРЕТ", "ЛУЧШИЙ ПЕЙЗАЖ" и "ЛУЧШИЙ НАТЮРМОРТ" из числа участников RUSSIAN ART WEEK 2007(осень) в категориях ЖИВОПИСЬ и ГРАФИКА. Победители будут награждены сертификатом на право открытия персонального зала в виртуальном художественном салоне Art-Salon.ru  и размещения в нем своих работ. Проголосовать можно на сайте Art-Salon.ru  http://www.art-salon.ru/artweek2007/ или направив СМС сообщения по телефону: 8-985-7294977, сообщив номинацию и фамилию художника, написавшего лучшую работу. Учитываются голоса художников и посетителей RUSSIAN ART WEEK/АССАМБЛЕЯ ИСКУССТВ, проголосовавших 11 октября (с 11.00) до 13 октября 2007 года (23.59). Также всем участникам RUSSIAN ART WEEK 2007(осень), номенирующимся в категории «ЖИВОПИСЬ» и «ГРАФИКА», предоставляется скидка 50% при открытии персонального зала в Art-Salon.ru до 14 октября 2007 года. Заявки на регистрацию принимаются с 15 сентября. Подробности http://www.art-salon.ru/artweek2007/reg.html http://artweek.ru?show_news=59 Все участники Ассамблеи Искусств получают возможность свободного посещения всех конкрусов и образовательных программ, включающих мастер-классы, семинары и круглые столы с московсими специалистами . Расписание образовательной и культурно-ознакомительной программы формируется и будет в ближайшее время опубликовано. ИНФОРМАЦИЯ О МАСТЕР-КЛАССАХ РАЗМЕЩЕНА НА СТРАНИЦЕ: http://artweek.org/index.php?page=55 http://artweek.ru?show_news=58 Русский текст http://artweek.ru?show_news=57 Русский текст http://artweek.ru?show_news=56 Тема: Инвестиции в произведения искусства Сергей Дорофеев 6 янв 2008 в 4:01 Тема довольно деликатная- но, сейчас, по-моему, это очень актуально! Что имеет наибольшую инвестиционную привлекательность? Какие риски есть при инвестировании в произведения искусства? Как избежать ошибок? Виктория Кузнецова 6 янв 2008 в 21:51 Инвестиции в произведения искусства нужны, т.к. талантливым людям нужна финансовая помощь. Часто это является серьезной проблемой особенно для начинающих. Сергей Дорофеев 6 янв 2008 в 22:23 Izvinite za translit. V cene moget i ne upadut- no i dohodnost' mogut ne dat' ogidaemuju. A oshibki mogut bit' svjazani s ustanovleniem podlinnosti i edintichnosti- ja dumaju k kartine dolgen idti kakoj-to paket dokumentov(sertifikat sootvetstvija ili chto-to podobnoje). Ili,naprimer, mne ponravitsja kartina kakaj-to v Rossii- ja ee kuplju, a vivezti ne smogu- takoe toge vozmogno,- Александра Светлицкая 6 янв 2008 в 23:25 Раз уж пошла такая тема, подскажите, кто знает. Допустим, известный художник продал картину. А с нее делают копии и распродают. Как закрепляется авторские права на произведения искусства? Ирина Сергиенко 7 янв 2008 в 5:17 В Союзе художников есть юрист. может быть проконсультироваться там Сергей Дорофеев 7 янв 2008 в 15:31 copyrigth k givopisi po-moemu otnoshenija ne imeet=) Potomkam Aivazovskogo i Repina v sude nichego ne svetit- kak i sovremennim hudognikam chji idei podvergajutsja copyrovaniju. Na samom dele, chem bol'she reprodukcij i copij- tem cennej original- esli konechno eto original=)) Esli eto odno iz....togda voobshe o kakih pravah mogno govorit'? Bez sporno v izobragenii morja u Aivazovskogo mnogo novogo i svojstvennogo tol'ko emu- no razve mogno poluchit' patent ili copyrigth na izobragenie morja????????? Esli s moego originala budut delat' copy i prodavat' ja budu tol'ko rad- no neploho bilo ukazivat' chto eto copy=))))))))vot tut moget bit' gul'nichestvo=)) Дмитрий Борисов 10 янв 2008 в 15:20 Согласен с Романом Пашковым . Настоящее Произведение только ДОРОЖАЕТ Сергей Дорофеев 12 янв 2008 в 2:16 A kak tochno opredelit' nastojachee ono ili popsa? Игорь Мясников 12 янв 2008 в 3:56 Можно приобрести картину, но это не факт что завтра она станет дороже. Есть консультанты и арт эксперты им можно доверять, они знают арт рынок и спрос. Можно не гоняться за модой а с риском для себя приобретать картины те что ближе вашему вкусу, настроению. Третьяков начинал коллекцию с западно-европейской живописи, и что? В результате покупал сплошные подделки. Трудно в это поверить. Ему дали совет, приобретать картины у современников. Великая коллекция дошла до наших дней. Артём Недолужко 15 янв 2008 в 0:01 Мне кажется говорить о том будт ли картина дорожать и принесёт ли её покупка прибыль так же бессмысленно как о покупке валюты... Мне кажется есть зависимость от моды... Нельзя сказать, что будет модно через 50 лет. Алла Юрьевна Рагулина 15 янв 2008 в 3:39 Полагаю, что любыми инвестициями должны заниматься специалисты. Большинство любителей, ценителей, собирателей и т.п. покупают картины потому, что те им НРАВЯТСЯ. Окружить себя предметами, от которых хорошо на душе, будь то картины, мебель, цветы или что-либо ещё, разве не в этом цель обустройства любого дома? А если картина не нравится, но человеку просто деньги некуда девать... Жалко таких... Кому-нибудь из них может повезти, но большинство будут обмануты - продавцами, экспертами, временем, наконец. Сергей Дорофеев 15 янв 2008 в 23:35 A esli kartine uge 100 let i ee cena olkolo 50,000 dollarov- skol§ko ona moget stoit' echo cherez 10 let? Ранета Долгина (Батаева) 24 янв 2008 в 17:36 Если понимать инвестиции, как метод вложения средств, дабы они умножали капитал, приносили дивиденты и т.д., то, на мой взгляд, живопись не лучший предмет для инвестирования..Во всяком случае в данное время и в данном месте (имеется в виду российский рынок)...Если делать из живописи бизнес, что вполне реально, но весьма затратно, она может потерять свой колорит и индивидуальность, и уж точно, эксклюзивность! Ведь госпожа Муза весьма капризна и не часто поддается любой системе, финансовым прогнозам и т.д..Любой творческий процесс сопряжен с огромной долей риска.. Ura Frakin 25 янв 2008 в 3:54 Мне как то подсказали что покупать надо те картины которые тебе просто нравятся, тебе с ними жить. А что касается вклада в предметы искусства за исклучением покупки Импрессионистов или скажем Пикассо, то я согласен с выше высказавшейся дамой. Существуют вклады которые приносят реальхый доход в реальном отрезке времени, а вклад в искусство это риск и может принести наслаждение только если ты понастоящему заинтересован как риском так и искусством. Сергей Дорофеев 26 янв 2008 в 3:22 Логика ясна. Осталось определить настоящее исскуссто Ura Frakin 26 янв 2008 в 3:50 Опредилить настоящие исскисство для себя, не сложно. Развивайся в одном направлении, к примеру: - Мне нравится исскусство выражающие русский характер, исклучая иконы и современные полотна подписанные с "ъ" после согласных (это работа на дам и публику). Работая в исследование этого направления я нахожу людей которые или продают или покупают полотна в данном стиле. (Только что наткнулся на Заровного, советую глянуть он выставлен на этом сайте). Б общем выбери одну точку в неё и бей, в итоге научишся определять цены на рынке и сможешь влиять на них сам же, став экспертом! Галина Тихонова (Фоменко) 30 янв 2008 в 16:24 Согласна с URoj и Ранетой что вкладывать капитал в картины как инвестиции, приобретая ее и храня с целью получения в дальнейшем прибыли от этого, может позволить себе только очень богатый человек. Ведь для этого надо купить картину, которая уже признается шедевром, а это не малый капитал. Покупать же картину художника, который возможно будет знаменит, не всегда оправдается. Поэтому действительно надо исходить из того нравится ли тебе это произведение. Вообще-то я сначала поняла под инвестициями в произведения, как раскрутка талантливых и как правило не имеющих капитала художников, чтобы сделать себе на этом прибыль. Андрей Шалманов 30 янв 2008 в 17:38 Художник, может быть и не будет знаменит. А вот работы, где пишут: "Автор неизвестен", могут стать потом, лет через 300, очень дорогими. Картина уже сама по-себе живет. А бывает ноборот-фуфло полное, а продано за хорошие деньги, потому, что человек намалевал известный. Типа "ежик" там, "мишка" и проч.-можно перепродать, но только быстро, пока автора помнят...а покупают ради стёба. У меня есть рубль советский, за пение заработал (петь не умею вообще) из принципа- я тебе пел-плати! На веревочке ношу. Талисман. Ura Frakin 30 янв 2008 в 21:33 Андрей, очень правильно замечено что у картин есть и будет своя жизнь. Писать ради славы или на продажу и быть художником я считаю невозможно. После начала своей деятельности в области строительства часто задумываюсь, сравнивая оба созидательных по своему характеру занятия, догадываясь что хорошо написанная картина как и хорошо построенное здание переживёт столетья. Должен заметить что на земле бессмертие души олицетворено созидательной работой, все твои вклады начиная с воспитания детей и заканчивая любимой проффесией явятся в последствие манифестацией твоего духовного порыва как человека. Поетому пишу и строю от сердца не задумываясь над известностью или славой, дай бог что бы дети вырасши смогли опереться на фундамент заложеный нами на земле, а душа так она и так бессмертна.   http://artweek.ru?show_news=54 09/03/2008 Открыт прием заявок на участие в Международной Неделе Ремёсел (www.craftweek.ru) . Конкурсная программа Ассамблеи Ремёсел включает ряд конкурсов, объединенных единой концепцией представления ремесленных и декоративно-прикладных работ: 1) Конкурс «Мастерская Росписи 2) Конкурс «Мастерская Керамики» 3) Конкурс «Стекольная Мастерская» 4) Конкурс «Мастерская «Резная Кость» 5) Конкурс «Металлическая Мастерская» 6) Конкурс «Мастерская Деревянного Зодчества» 7) Конкурс «Камнерезная Мастерская» 8) Конкурс «Кожевенная Мастерская» 9) Конкурс «Мастерская Художественного Шитья» 10) Конкурс «Кукольная Мастерская» 11) Конкурс «Мастерская Народного Костюма» 12) ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНАЯ ВЫСТАВКА http://artweek.ru?show_news=53   Генеральный партнер RUSSIAN ART WEEK / АССАМБЛЕЯ ИСКУССТВ учредил приз: обучение в Лондоне. Приз вручит официальный представитель Лондонского Университета Искусств в России - компания "Инсайт-Лингва" (www.i-l.ru) http://artweek.ru?show_news=50 Все члены оргкомитета примут участие в работе жюри. Полный список будет объявлен за две недели до начала "RUSSIAN ART WEEK / АССАМБЛЕЯ ИСКУССТВ" http://artweek.ru?show_news=49   КОНЦЕПЦИЯ МЕЖДУНАРОДНОЙ АССАМБЛЕИ МОДЫ GRADUATE FASHION WEEK International ГЛАВНЫЕ ОСОБЕННОСТИ МЕЖДУНАРОДНОЙ АССАМБЛЕИ МОДЫ Концепция : МЕЖДУНАРОДНАЯ АССАМБЛЕЯ МОДЫ является профессиональной неделей моды для новых авторов, включающей в свою программу одновременное представление коллекций на подиуме и в шоу-румах. Общее торгово-выставочное пространство, профессиональный подиум с 800 посадочных мест и современный зал для пресс-конференций и переговоров позволяют в течение конкурсной недели проводить широкомасштабные презентации и деловые программы, включающие мастер-классы, семинары и круглые столы. Таким образом конкурсанты получают возможность представить свои авторские работы широкой аудитории, найти покупателей, заключить выгодные договора и прослушать многочисленные образовательные программы. В свою очередь посетители Международной Ассамблеи Моды найдут широчайший спектр дизайнерских работ - одежду, обувь, аксессуары, текстиль, квилты, графические и фотоработы и сделают эксклюзивные покупки. Формат: Формат Ассамблеи учитывает сложившийся интерес к эксклюзивным авторским работам и творческим идеям огромного числа покупателей и профессиональной аудитории - байеров и представителей промышленных компаний-производителей. Поддержка талантливых авторов: Особое внимание уделяется поддержке талантливых авторов. Для этого на Ассамблею моды приглашаются специалисты и организации, имеющие возможность оказывать материальную и техническую поддержку. Площадка: Для реализации концепции выбраны ЛУЧШИЕ в Москве комплексы: - МОСКОВСКИЙ ДОМ ХУДОЖНИКА (ул.Кузнецкий мост, д.11, ст.метро "Кузнецкий Мост"). - Большой концертный зал «ПУШКИНСКИЙ» (на 2100 мест !). Программы для участников: Участвовать в Ассамблее Моды возможно по следующим программам: I. КОНКУРСЫ: участие в конкурсной программе(восемь самостоятельных конкурсов, см. раздел "Положение"); II. ДЕФИЛЕ: презентация сезонных коллекций; III.ШОУ-РУМ: представление коллекций в шоу-руме/на стенде (для авторских коллективов и fashion-предприятий); IV. СТЕНДЫ: представление продукции на стенде (для предприятий fashion- и art-индустрии) Для участников созданы условия для профессиональной презентации своих коллекций, проведения деловых переговоров и заключения договоров (профессиональный 20-метровый подиум, современные шоу-румы с индивидуальной планировкой, конференц-зал, аудитории для переговоров). Условия для посетителей и покупателей: Для большой аудитории посетителей - розничных и оптовых покупателей - оргкомитет Ассамблеи создает максимально комфортные условия для свершения покупок и заключения договоров (современный комплекс инфраструктуры мульти-брендового бутика, со зрительским залом, переговорными комнатами, кафетериями и гардеробом). Условия для прессы: Для профессиональной работы прессы, фото- и видеосъемки оборудованы специальные подиумы, пресс-служба и пресс-центр с выходом в Интернет. Статистика: Более 200 российских и зарубежных журналистов были аккредитованы на Ассамблею Моды в прошлые сезоны. В прошлом сезоне, на осенней Ассамблее Моды были представлены коллекции более 800 индивидуальных авторов и предприятий малого бизнеса - салонов, ателье, дизайн-студий, домов моды и ремесленных мастерских. Всего же за четыре предыдущих сезона было представлено более 3500 авторов и коллективов из более 20 стран мира. По своей сути Международная Ассамблея Моды представляет собой полифункциональный плацдарм по дальнейшему продвижению участников Ассамблеи в российской и зарубежной индустрии. Мы сохраняем тенденции к увеличению внимания к участникам Ассамблеи со российских и зарубежных структур и компаний, работающих с талантливыми дизайнерами, художниками и ремесленниками - индивидуальными авторами и предприятиями малого бизнеса. Тематика дефиле Ассамблеи Моды: 1 блок: Презентации больших сезонных коллекций одежды, аксессуаров, белья, головных уборов и обуви (каждая коллекция содержит от 15 до 60 моделей) 2 блок: Конкурсная программа: презентация авторских коллекций одежды, аксессуаров, белья, головных уборов и обуви (каждая коллекция содержит до 7 моделей) 3 блок: Презентация коллективного творчества учебных заведений, школ моды, театров моды, творческих коллективов Тематика шоу-румов Ассамблеи Моды (каждая тема группируется единым блоком): 1 блок: Коллекции модной одежды, обуви, аксессуаров, белья, головных уборов, в том числе с использованием фольклорных мотивов 2 блок: Отделочные материалы и фурнитура 3 блок: Текстиль и квилтинг. Изделия, выполненные в лоскутной технике, вышивка, кружево, прядение, "золотное" и специальное шитье 4 блок: Изделия народных промыслов, декоративно-прикладного искусства и художественных ремесел (художественное моделирование, украшения интерьера и экстерьера жилища, сувенирная продукция) 5 блок: Объекты науки, образования и культуры (школы моды, театры моды, школы народного творчества, учреждения образования и культуры) ОРГАНИЗАТОРЫ: - Правительство Москвы - Департамент поддержки и развития малого предпринимательства города Москвы - Международный центр деловых контактов "Дельконт" - Международный фонд развития моды - Европейская ассоциация учебных заведений в области дизайна, искусства и общественных коммуникаций - Межрегиональный центр поддержки и развития моды - Международный Союз дизайнеров - Союз фотохудожников России - Продюсерское агентство "NextART"   Тел.: +7 (495) 5068044, 6085044, Тел./факс:1787467. Моб.тел.:+7 (915) 0120288, +7 (926)2260360 e-mail: info@podium.ru  http://www.infashion.ru   http://artweek.ru?show_news=48   Концепция Международной недели ремёсел и декоративно-прикладного творчества «Ассамблея ремёсел» «Ассамблея ремёсел» (Международная неделя ремёсел и декоративно-прикладного творчества) пройдет 26-29 сентября 2008 года. Идея проведения этого праздника принадлежит Мэрии Москвы. Эту инициативу безоговорочно поддержали ряд международных организаций, страны СНГ и Балтии, регионы и крупные города Российской Федерации. Организаторы Ассамблеи Ремёсел — Правительство города Москвы, Московский Союз Художников и Фонд «Искусство будущего». В одном из известнейших исторических зданий города Москвы – в Московском Доме Художника «Ассамблея Ремёсел» – объединит интересы многочисленных поклонников традиционного искусства, знатоков старины и истории развития народного костюма, производителей и покупателей народных промыслов, всех любителей красивого. Активные участники Ассамблеи Ремёсел — ремесленные мастерские, музеи, дома моды, народные умельцы и высшие и средние учебные заведения, обучающие молодое поколение по художественным и декоративно-прикладным видам творчества. В программе Ассамблеи Ремёсел пройдут брифинги, диспуты, круглые столы и широкое неформальное обсуждение конкурсных работ профессиональной аудиторией из России и зарубежных стран. В течение 5-ти дней для участников Ассамблеи Ремёсел и молодых специалистов пройдут многочисленные специализированные лектории и мастер-классы, пройдут деловые встречи предпринимателей и бизнесменов. Конкурсная программа Ассамблеи Ремёсел Конкурсная программа Ассамблеи Ремёсел включает ряд конкурсов, объединенных единой концепцией представления ремесленных и декоративно-прикладных работ: МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС НАРОДНОГО КОСТЮМА МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС КУКОЛ МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЙ ЖИВОПИСИ МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС ПО ХУДОЖЕТСВЕННОЙ КЕРАМИКЕ МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС ПО ХУДОЖЕСТВЕННОМУ СТЕКЛУ МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС ПО ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ОБРАБОТКЕ КОСТИ И РОГА МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС ПО ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ОБРАБОТКЕ МЕТАЛЛА МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС ПО ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ОБРАБОТКЕ ДЕРЕВА МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС ПО ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ОБРАБОТКЕ КАМНЯ МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС ПО ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ОБРАБОТКЕ КОЖИ МЕЖДУНАРОДНЫЙ КОНКУРС ПО ХУДОЖЕСТВЕННОМУ ТЕКСТИЛЮ ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНАЯ ВЫСТАВКА   Более подробную информацию можно получить в центральном оргкомитете: Тел.: +7 (495) 5068044, 6085044 Тел.моб.: +7-915-0120288, +7-926-2260360, Тел./факс: +7 (495) 1787467 Website: www.craftweek.ru e-mail:    info@craftweek.ru ICQ 439 001 943       http://artweek.ru?show_news=45 ПРОЕКТ ДЛЯ ХУДОЖНИКОВ, ФОТОГРАФОВ, СКУЛЬПТОРОВ И ДИЗАЙНЕРОВ!   С 11 по 14 октября 2007 года пройдет Российская Неделя Искусств (RUSSIAN ART WEEK / Ассамблея Искусств). Российская Неделя Искусств пройдет в историческом центре Москвы - в Московском Доме Художника (ул.Кузнецкий Мост, д.11). Программа Российской Недели Искусств включает: 1.       Международный конкурс по фотоискусству 2.       Международный конкурс по графическим видам искусства 3.       Международный конкурс по декоративно-прикладным видам искусства 4.       Международный художественно-исторический конкурс «Государственные символы» 5.       Международный конкурс ювелирного искусства 6.       Международный конкурс произведений живописи 7.       Международный конкурс скульптуры   В Российской Неделе Искусств примут участие художники, фотографы, скульпторы, дизайнеры и графики (практикующие профессионалы и молодые авторы) из более 200 городов России, стран ближнего и дальнего зарубежья (более 15 стран мира). Профессиональные категории участников: 1) Категория «Профи»: практикующие авторы, творческие коллективы, художественные артели и предприятия, выпускники (более 2 лет) 2) Категория «Студент»: студенты высших учебных заведений и выпускники (до 2 лет) 3) Категория «Юниор»: учащиеся художественных и общеобразовательных школ, учащиеся и студенты средних специальных учебных заведений и выпускники (до 2 лет)   Авторы и руководители делегаций смогут принять участие в неформальных обсуждениях конкурсных произведений российскими и зарубежными представителями искусствоведческой среды. В течение 4-х дней пройдут многочисленные мастер-классы и семинары. Проект приурочен празднованию 75-летия Московского Союза Художников.   Гостями акции станут бизнес- и политическая элита, ведущие московские художники, арт-бомонд, представители шоу бизнеса.   Откроет Российскую Неделю Искусств Президент Московского Союза Художников Казанский Иван Павлович.   Организаторы: Московский Союз Художников, Европейская Ассоциация образовательных учреждений художественного профиля, Московский Фонд культуры, Московский государственный художественно-промышленный университет им.С.Г.Строганова, Московский государственный текстильный университет им.А.Н.Косыгина, Музей народной графики, Благотворительный Фонд «Искусство будущего», PR-агентство “NextART Media”.   Дополнительная информация и аккредитация: e-mail:    info@artweek.ru Тел.:    007 495 5068044 Тел.:    007 495 6466083 Факс:   007 495 6466073 Моб.:    007 915 0120288   Официальный сайт Российской Недели Искусств: www.artweek.org   http://artweek.ru?show_news=44 Московский Дом Художника Реставрационные и отделочные работы, проведенные по сохранившимся чертежам XIX века, воссоздали исторический облик Дома Художника - Пассаж Сан-Галли. Первоначально здание Московского Дома Художника строилось под торговые галереи, позже здесь располагалось кафе, а в советские годы - выставочный зал. Сегодня Московский Дом Художника вновь обретает статус Храма искусств, где все разноплановые направления его исторической жизни объединены под одной крышей в единое творческое поле деятельности.   Современный Московский Дом Художника гармонично объединил в своих стенах все то, что позволяет его посетителям не только стать участниками культурных событий - выставок, ярмарок, благотворительных акций, шоу-программ, но и приобщиться к здоровой (вегетарианской) кухне ресторана "Джаганнат", сделать интересные и необычные покупки в салоне подарков "ПОДАРЮ", выбрать и заказать в художественном салоне товары и услуги, предназначающиеся не только для специалистов - художников или дизайнеров, но и для любителей живописи.   Ставшие уже традиционными в Московском Доме Художника ежегодные выставки-ярмарки и мега-распродажи подарков не оставят равнодушными самых взыскательных и требовательных покупателей. http://artweek.ru?show_news=42 ПОЛОЖЕНИЕ     МЕЖДУНАРОДНЫЙ ФОНД РАЗВИТИЯ МОДЫ приглашает принять участие в крупнейшем в России фестивале моды – в IV Международном конкурсе модельеров «КУТЮРЬЕ ГОДА-2007».   Конкурс проходит под патронажем Комитета по культуре Государственной Думы РФ, Правительства города Москвы, Балтийской Федерации Моды и Европейской Ассоциации «CUMULUS».       Цель конкурса – выявить молодых одаренных дизайнеров одежды, создать возможность трудоустройства модельеров-дизайнеров и привлечь инвесторов на создание новых коллекций.   Каждая конкурсная работа должна размещаться на одном демонстраторе одежды.   Гран-при конкурса – «Платиновый манекен». Конкурсные работы публикуются в ежегодном Международном каталоге «NewFacesinFashion».     Условия участия в конкурсе:   Для участия в конкурсе необходимо представить свои изделия одежды на региональном отборочном туре (список городов и координаты оргкомитетов возможно получить по телефону: +7(495)5068044, тел./факс: +7(495)6466073, 6466083, или сделав запрос по e-mail: info@fashiondesign.ru ). В случае отсутствия регионального тура в городе проживания или учебы модельера, автор сможет принять участие в любом из отборочных туров, интересных для автора или проходящем в близлежащих регионах. Конкурсант имеет право участвовать в одной или нескольких номинаций: ·            Городская одежда (prêt-a-porter) ·            Вечернее платье / светский раут (одежда для торжественных приемов, вечеринок и т.п.) ·            Свадебное платье ·            Театральный костюм / сценический образ ·            Авангард     Этапы конкурса:   Конкурс имеет «олимпийскую» (региональную) систему и проводится в три этапа. РЕГИОНАЛЬНЫЙ ЭТАП (1-й тур): Данный этап проводится в городах каждой из стран-участниц конкурса (от города – пять победителей Регионального тура – делегируются на Национальный этап). НАЦИОНАЛЬНЫЙ ЭТАП (2-й тур): В данном этапе участвуют конкурсные работы, успешно прошедшие Региональный тур и делегированные региональным оргкомитетом. МЕЖДУНАРОДНЫЙ ЭТАП (3-й тур): Каждая из стран-участниц конкурса направляет победителей Национального тура (первые места в каждой номинации).   Оргкомитет приглашает заинтересованные юридические лица к сотрудничеству в области организации отборочного тура в регионе / в стране нахождения организации.         I этап («Региональный»), период: до середины июля 2007 года Жюри регионального тура выявляет 5 (пять) лучших конкурсных работ (первые места в каждой из номинаций), и направляет эти работы на Национальный тур. На региональных турах конкурсанты представляют свои работы как в виде одиночных комплектов одежды, так и коллекциями (на усмотрение Регионального оргкомитета). На Национальном этапе конкурсные работы представляются только в виде одиночных комплектов. Делегированные на Национальный этап конкурсанты публикуются в ежегодном Международном издании – официальном каталоге конкурса «NewFacesinFashion».   II этап («Национальный»), период: сентябрь 2007 года На Национальном этапе участвуют конкурсные работы, успешно прошедшие конкурсный отбор в одном из региональных туров. Победители Национального этапа (первые места в каждой номинации) делегируются на Международный этап. Абсолютный победитель Международного этапа конкурса получает звание «Обладатель Гран-при» и награждается главным призом конкурса – «Платиновым манекеном».   III этап («Международный»), период: октябрь 2007 года (в одной из стран Евросоюза) На Международном этапе будут представлены работы – победители Национальных этапов конкурса.     Критерии оценок:   Конкурсные работы модельеров оцениваются по 10-ти балльной системе, по двум критериям: -          Художественная выразительность, новизна идеи: оцениваются яркая индивидуальность созданного образа, сила эмоционального воздействия конкурсного изделия (комплекта), новизна цветовых сочетаний и пластических решений костюма, аксессуаров и дополнений, знание тенденций международной моды. -          Технологичность, качество изготовления: оценивается уровень владения конструированием одежды.     Вступительный взнос:   Размер вступительного взноса определяют региональные оргкомитеты самостоятельно. На Международном этапе конкурса «Кутюрье года» вступительный взнос отсутствует.     Важные замечания:   1)       Региональные оргкомитеты организуют отборочный тур, оплачивают лицензионный взнос, осуществляют портфолийную съемку победителей регионального тура. Фотографии, присылаемые региональными оргкомитетами для публикации в каталоге «NewFacesinFashion», должны иметь надлежащее для публикации качество, размером не менее 10*15 см. Оргкомитет принимает также фотографии в электронном виде, не менее 300dpi. 2)       По предварительной заявке оргкомитет бронирует для конкурсантов и сопровождающих лиц гостиничные номера. 3)       Рекомендуется придерживаться общепринятых стандартов моделей (женщины – 173-180 см., 42-44 размер, мужчины – 185-190 см., 50-52 размер). 4)       Все участники Национальных этапов публикуются в Международном каталоге «NewFacesinFashion» (на русском и английском языках).     ЦЕНТРАЛЬНЫЙ ОРГКОМИТЕТ:   Тел.офиса: +7 (495) 5068044, Тел./факс: +7 (495) 6466073, 6466083 Тел.моб.: +7-926-2260360, +7-915-0120288 e-mail:  info@fashiondesign.ru  www.fashiondesign.ru Почтовый адрес: 119021, Москва, Зубовский бульвар, д.4, строение 1, офис 7. http://artweek.ru?show_news=40 Русский текст http://artweek.ru?show_news=32